Gestionar cultura

Reconcebir la política cultural

2012-02-07T11:41:00.005+01:00

Hace algún tiempo que abandone, en parte, este blog, y no porque no tenga cosas del ámbito profesional sobre las que reflexionar, que tal vez comienzan a ser demasiadas, sino por cierta dejadez, tal vez alguna sobreabundancia de información y poco tiempo para parar a pensar con la atención que se necesitaría.

Llevo un tiempo en que, ocasionalmente, relfexiono y escribo algún breve artículo de opinión que envío al diario Levante-EMV con la intención o el deseo de que esas reflexiones, realizadas desde la modestia experiencia e ideología personal, puedan llegar a un público más amplio. También con la ilusión de que el concepto de "gestor cultural" o algunas de las ideas de nuestra profesión puedan llegar al gran público. Y tengo la suerte de ver una gran mayoría de esos textos publicados en las páginas del diario. En efecto, desconozco su eficacia, pero esta situación me permite seguir reflexionando sobre temas más prácticos de la actualidad diaria, incluso con el riesgo de poder encontrar muchas personas que piensen de forma contraria a la mía. Por supuesto, no dejan de ser opiniones personales, fruto de reflexiones propias y que no necesariamente han de ser correctas. Sigo pensando que, a pesar de los años, soy un profesional en continua formación, tanto práctica como teórica y reflexiva. Y esta práctica creo que me ayuda a esa tarea de formarme, aunque sea con cierto grado autodidacta.

En este sentido, el pasado 20 de enero, el diario Levante-EMV me publicó, esta vez en la sección de cultura, un artículo en el que reivindico la necesidad de "reconcebir" (la palabra creo que no existe pero me pareció muy gráfica) las políticas culturales. Pasar de una cultura del entretenimiento a una política cultural que recupere la centralidad de la ciudadanía, y que deposite en los profesionales la tarea de implementarla con los criterios de eficiencia, calidad y responsabilidad; algo para lo que, se supone, estamos suficientemente formados.

Probablemente no deje de ser un deseo iluso, una posibilidad improbable en los tiempos que corren y con los perfiles que están al frente de las políticas culturales (si podemos llamar así a lo que existe hoy en día, y para lo que tengo mis dudas), pero no deja de permitirme cierta reflexión personal, muy lejos del increíble trabajo teórico e intelectual que realizan algunos de mis compañeros de profesión y que envidio sobremanera.

No obstante, creo que, aún así, es interesante que pueda compartir ese texto en este blog que incluso se ha convertido en algo así como archivo de esos artículos míos de opinión aparecidos en prensa.

Reconcebir la política cultural

Políticos y gestión de la cultura

2011-09-28T22:03:00.005+02:00

El pasado 7 de septiembre, el diario Levante-EMV me publicó un artículo que había preparado un mes antes y que, al no haberse publicado a mitad de agosto, yo había colgado ya en el blog.

Dejo aquí el enlace para que quede constancia de su publicación y esté enlazado directamente a la publicación del diario.

Políticos y gestión de la cultura

Políticos y gestión de la cultura

2011-08-17T09:06:00.001+02:00

A principios de julio escribía en mi cuenta de twitter que, cada vez más, estoy convencido que a los políticos no les importa la cultura. Está claro que toda generalización es injusta y falta a la verdad, pero la realidad hace difícil pensar otra cosa. Hace tiempo que vengo pensándolo, pero ésta es una de las reflexiones que el día a día nos obliga a aparcar hasta momentos de mayor sosiego, y el verano siempre es bueno para conseguirlo.

Con motivo de las pasadas elecciones autonómicas leí concienzudamente los programas electorales de aquellos partidos con representación parlamentaria en busca del modelo de política cultural que proponían al electorado. De aquél improvisado análisis, que tengo pendiente sistematizar y retomar, llegué a la conclusión que ningún partido ofrecía una verdadera política cultural. Ofrecían, eso sí, propuestas concretas, desestructuradas en muchos de los casos, y grandilocuentes enunciados de buenas intenciones, que parecían no tener relación con la delicada situación que el sector (o sectores) cultural valenciano estaba viviendo (¿acaso no sigue igual?).

Pasada la resaca electoral, y con la configuración del nuevo gobierno autonómico, nos encontramos de nuevo con directores de centros culturales que han sido nombrados obviando las buenas prácticas demandadas desde hace mucho tiempo por asociaciones profesionales, y con el nombramiento de algunos cargos recayentes en personas que carecen de formación que les capacite para la óptima gestión de la cultura. Pero no nos ha de extrañar en demasía cuando la persona que se pone al frente de las competencias en materia de cultura (Conselleria de Turismo, Cultura y Deporte) plantea, en las entrevistas públicas que concede, medidas a tomar en consideración en todos aquellos ámbitos de su competencia a excepción del cultural; puede ser un simple olvido, o una manera de priorizar sectores económicamente más rentables, a pesar que el cultural está demostrando poder ser un sector económico fuerte y con un importante grado de sostenibilidad económica y social.

Pero la total dejadez de los asuntos culturales por parte de los políticos no disminuye cuando un órgano consultivo como el Consell Valencià de Cultura se renueva con políticos profesionales. Está claro que ese órgano ha estado siempre politizado, de manera más o menos indirecta, por los principales partidos políticos, pero el hecho de que se nombre consejeros a políticos y no a profesionales con una dilatada trayectoria creativa, intelectual, reflexiva o de gestión de la cultura deja mucho que desear, más cuando se quedan fuera nombres que cumplen con creces dicha expectativa.

Así, nos encontramos con partidos políticos que gobiernan, o hacen oposición, sin un modelo de política cultural claro, responsables de centros culturales con un alto perfil político y no técnico, y con un organismo consultivo en materia de cultura formado, en parte, por políticos profesionales. Podríamos hablar de una gestión política (o politizada) de la cultura. Si no nos lo creemos, nunca conseguiremos una cultura ni un sector fuertes. Que manifiesten claramente su deseo de dejarle morir; al menos, así, nos ahorraríamos gran cantidad de euros.

Decálogo de apoyo a la gestión cultural

2011-04-10T18:45:00.005+02:00

Revisando y ordenando los papeles que, continuamente, invaden mis espacios de trabajo y que dificilmente consigo que desaparezcan, he redescubierto unas anotaciones de este verano pasado. Concretamente, del 6 de julio de 2010.

Este día, en twitter, y a raíz de un comentario de @CristinaRiera, un grupo de personas que nos dedicamos de alguna manera a la gestión cultural compartimos algunas ideas sobre un hipotético decálogo de apoyo a nuestra profesión. Twitter no deja de sorprenderme, y me ha permitido entrar en contacto con grandes profesionales de la gestión cultural con los que, gracias a esta herramienta, me encuentro cercano. Son unos cuantos más, pero algunos de ellos participaron en esta tormenta de ideas: ellos son @CristinaRiera, @mestresbcn e @Indigestio. A ellos, y a todos los gestores culturales que me aportan ideas y conocimiento por medio de las redes sociales, muchas gracias; sin duda, es un espacio de socialización interesante.

He aquí las ideas que se ofrecieron, tal y como se escribieron en menos de 140 caracteres:

1. No convocarás concursos en julio (nuevo mandamiento para el político cultural que pretenda ser facilitador). [@CristinaRiera]
2. Relaciones políticos-agentes culturales basados en la confianza, complicidad y riesgo compartido. [@CristinaRiera]
3. Promoción de valores y actitudes relacionados con la innovación, creatividad, responsabilidad.. pasión por el conocimiento. [@mestresbcn]
4. Establecer vínculos conceptuales y emocionales con otros proyectos. [@mestresbcn]
5. No es necesaria la coherencia/equilibrio entre lo ético, lo legal y lo culturalmente potente (adaptado de A. Mockus). [@mestresbcn]
6. Poner el desarrollo de la ciudadanía en el centro de la acción política y buscar plusvalías culturales en otros ámbitos. [@jomartor]
7. (Complementando el anterior). Sin desarrollo cultural no hay desarrollo. [@mestresbcn]
8. El gestor cultural se debe formar y estar capacitado para aportar ideas y para captar las iniciativas de los demás. [@mestresbcn]
9. Escuchar y tener política cultural propia ha de ser compatible. [@Indigestio]
10. Ve más allá de lo que te piden las normas y el control económico. Es tu trabajo. [@Indigestio]
11. Si has de poner en marcha una política/proyecto cultural, estudia bien si hay ya algo parecido y aprende de él. Ahorrarás recursos. [@jomartor]
12. Considerar al agente cultural como aliado colaborador, no mendigo ni competidor. [@CristinaRiera]
13. Considerar al agente cultural como mediador o facilitador de las necesidades de la ciudadanía o el sector. [@CristinaRiera]

Un total de trece ideas que podrían complementarse con otras muchas; cada una de ellas podría llevar consigo un interesante debate sobre las relaciones que mantienen los profesionales de la gestión cultural con los diferentes agentes; pero, sin duda, resulta un interesante ejercicio colectivo de carácter renovador. Espero algún otro parecido muy pronto, bien de forma virtual, bien de forma presencial.

¿Alguna otra idea para añadir?

Teatro para la paz

2011-03-30T10:21:00.004+02:00

Hoy, el diario Levante-EMV me publica un artículo que había preparado hace algo más de una semana para el Día Mundial del Teatro (27 de marzo) y que, al no haberse publicado ese día, yo había colgado ya en el blog.

Si hubiera sabido de las acciones que el sector teatral valenciano estaba organizando (el lunes se pidió la dimisión de la directora de Teatres de la Generalitat), el texto hubiera sido diferente.

El año pasado, en un artículo parecido (Por un Día Mundial del Teatro y el Diálogo) postulaba por la necesidad de establecer mecanismos de diálogo entre todos los agentes de la realidad escénica valenciana, algo que parece que al sector político le sigue aterrando. Las noticias de estos días no hacen más que dejar de manifiesto que los dirigentes de la política teatral valenciana no parecen creer en ese diálogo; una verdadera pena.

Aquí os dejo el enlace al artículo del periódico; al menos, seguiremos pensando que otra realidad es posible.

Teatro para la paz

Teatro para un mundo convulso: teatro para la paz.

2011-03-27T22:13:00.004+02:00

Un año más, este 27 de marzo multitud de países celebrarán el Día Mundial del Teatro en el que se ha asumido como una efeméride para conmemorar y proyectar los valores de la actividad teatral. Nuevamente, diversas iniciativas recorrerán la geografía internacional para celebrar que la realidad escénica está viva y se establecerán mecanismos de reflexión sobre la situación real del sector.

El año pasado, un artículo publicado en el diario Levante-EMV nos permitía manifestar nuestro deseo de que se establecieran mecanismos de diálogo entre empresas, asociaciones profesionales e instituciones públicas implicadas en la realidad teatral de nuestro contexto geográfico, en lo que consideramos una actividad de responsabilidad política y ciudadana para con los valores que imprime el teatro. Hoy hemos de lamentar que aquél diálogo que considerábamos lógico, responsable y constructivo no se haya producido, y que sigamos con la sensación de una realidad escénica valenciana muy por debajo de sus posibilidades en cuanto a su proyección pública y de alcance al ciudadano; presenciamos una actividad creativa de primer orden que, por diversas circunstancias, no consigue trasladarse a iniciativas que lleguen al público, y en esto la responsabilidad de las administraciones públicas es fundamental.

Pero este año, y ante una situación internacional inestable en la que los conflictos bélicos están adquiriendo un notable protagonismo, no podemos dejar de hacernos eco de la principal idea manifestada por Jessica A. Kaahwa que, desde Uganda, nos transmite el Mensaje del Día Mundial del Teatro 2011: el valor del teatro como elemento integrador.

El teatro posee la capacidad de convertirse en un medio de difusión de las ideas, más allá de las diferencias de lenguaje y culturas, que se desarrolla con la participación e interacción de los lenguajes escénicos. El teatro, como la música, ha demostrado su capacidad integradora más allá de creencias y nacionalidades; a su vez, la práctica teatral permite una evasión de la realidad diaria, especialmente interesante en contextos desfavorables para el bienestar personal, y el establecimiento de lazos de unión intergeneracional. La autora del mensaje de 2011 invita a “proponer al teatro como herramienta universal de diálogo, transformación y reforma social”. Se trata de una idea que se ha aplicado en múltiples ocasiones en contextos de exclusión social o en comunidades con dificultades de integración, y la gran mayoría de estas iniciativas ha dado resultados muy satisfactorios para el desarrollo de los grupos participantes.

El teatro, más allá de su vertiente estética y lúdica, permite promover mensajes de paz y reconciliación. En un mundo cada vez más convulso, y en el que la paz se tambalea cada día, es preciso buscar herramientas que permitan aportar un significado a la realidad cotidiana; las artes escénicas pueden tender puentes entre civilizaciones y, a su vez, construir conciencia y ayudar en el duro trance de superar un nunca deseado conflicto bélico. Ojala hoy pudiéramos sustituir las trincheras por bambalinas; sin duda, el mundo y todos nosotros ganaríamos una importante dosis de dignidad colectiva.

Pisar el tereno

2011-03-24T23:21:00.001+01:00

Retomo, después de mucho tiempo, la escritura en el blog con una idea que siempre he tenido muy presente, pero que en los últimos dos meses he reforzado en mis convicciones para con el ejercicio práctico de la gestión cultural. La idea no es otra que la necesidad de pisar el terreno, de conocer el territorio en el que realizamos la gestión cultural, de recorrer nuestros municipios, de hablar con sus gentes, de empaparnos de un conocimiento directo.

En febrero, y en consonancia con mi implicación profesional en el Mapa Cultural de la Provincia de Valencia (www.mapaculturaldevalencia.es), inicié una serie de visitas a municipios que me permitieran contrastar información obtenida de fuentes secundarias variadas. En muchos casos únicamente se realizaba una confirmación de los datos, pero la riqueza de la visita va mucho más allá de la mera afirmación de que los datos son correctos.

En la gestión cultural, sobre todo en la que denomino gestión cultural territorial (aquella que interviene en un territorio geográfico y no en un sector cultural específico), es fundamental conocer el ámbito territorial en el que se pretende trabajar. Mucha información de carácter sociodemográfico puede extraerse de fuentes estadísticas, información geográfica, económica o incluso de prácticas culturales y sociales de respectivas fuentes específicas. Pero, y a pesar de que soy un fiel defensor de la investigación y el uso de fuentes científicas, considero fundamental “pisar el terreno”.

Una visita a un municipio puede aportar mucha información, sobre todo cualitativa, sobre su población, su geografía y el modo en que una determinada intervención cultural puede afectar a sus habitantes. Esta información, junto con la obtenida de estudios y observaciones, permite al gestor cultural disponer de una visión más amplia del territorio en el que va a desarrollar su actividad. En ocasiones, hablar con los dirigentes o con los diferentes técnicos que trabajan en el municipio aporta una información de un gran valor; en otras ocasiones, basta con una conversación sencilla e improvisada en un bar o mientras se pasea por las calles del municipio.

En muchas ocasiones, la gestión cultural se convierte fácilmente en una actividad de despacho, ajena a la realidad, y rodeada (en el mejor de los casos) de informes, planificaciones y estudios. El gestor cultural ha de saber recuperar la calle, el trabajo de campo, el contacto con la gente y con una realidad que es intrínseca al desarrollo cultural. La gestión cultural requiere de una realidad tangible para poder desarrollar sus valores intangibles, y el profesional gestor cultural ha de ser consciente de esa necesidad de pisar el terreno, de conocer su territorio; es una necesidad que se ha de satisfacer continuamente, por la salud de su actividad y de su profesión.

Feliz Año 2011. Bon Any 2011.

2010-12-31T12:29:00.000+01:00

Blogs de gestión cultural

2010-12-26T00:42:00.007+01:00

El 17 de agosto de 2009 iniciaba la aventura de crear un blog en el que poder expresar de forma escrita algunas reflexiones e informaciones sobre la profesión. Hacía tiempo que la idea me venía rondando la cabeza, pero hasta ese momento no se había convertido en una realidad. En un primer post titulado “Razón de ser” explicaba algunas de las razones que me habían motivado a la apertura de ese espacio de reflexión pública.

Con el tiempo, y gracias al uso de las redes sociales, he ido sabiendo de otros blogs que tienen a la gestión cultural como temática principal y he ido comprobando cómo la reflexión pública se hace necesaria en una profesión como la gestión cultural, en la que no es fácil poder reunirse con otros profesionales de diversas procedencias geográficas. Internet lo favorece, y los blogs y las redes sociales lo permiten.

En esta entrada quiero hacer un breve repaso por aquellos blogs que he ido conociendo a lo largo de este tiempo, liderados por profesionales que muestran su valía día a día, y que muestran cómo la reflexión y el diálogo debería ser una constante en el desarrollo de nuestra profesión.

“Confluencia” es el blog de Alfons Martinell, director de la Cátedra UNESCO de políticas culturales y cooperación, en la que se aborda la gestión y la cooperación cultural, con una perspectiva iberoamericana en muchas ocasiones, acorde con la realidad profesional más cercana a su autor.

El blog de Toni González, profesional vinculado a las artes escénicas como consultor, organizador y asesor de proyectos y políticas teatrales tanto a nivel nacional como internacional, lleva el título de “La cultura es política”. Su trayectoria convierte al blog en una fuente de información especializada sobre la gestión de las artes escénicas, así como un espacio donde su autor reflexiona sobre la situación actual de la industria escénica.

El ámbito de las artes escénicas dispone de otro blog especializado, “Els públics de la cultura”. Jaume Colomer, director de Bissap Gestió Cultural, lleva adelante este espacio (escrito en catalán) en el que ofrece sus opiniones y conocimientos profesionales sobre el marketing, la exhibición y la fidelización de públicos en teatro y danza.

Joseba Acha, por su parte, gestiona un blog que, con su nombre como título, aborda diversos aspectos de la gestión cultural. Si bien su formación, vinculada a la gestión y desarrollo de las artes escénicas, hiciera pensar en un blog sobre la escena, el autor reflexiona sobre temáticas muy diversas de la gestión cultural generalista con criterios e información precisa y diversa.

En agosto de este año, dos profesionales vinculados directamente a la gestión cultural del municipio del Prat de Llobregat pusieron en marcha un blog común que, con el título “Temptatives”, permite poner por escrito reflexiones surgidas a partir de conversaciones personales y experiencias profesionales comunes. Marta Ardiaca y Rafa Milán, los autores de este blog escrito en catalán, participan también de un blog colaborativo a 16 manos dedicado íntegramente a la innovación en el sector cultural a partir de una “Red de innovación cultural, Bcult” surgida del encuentro periódico de diversos profesionales de la gestión cultural catalana que, a su vez, están en permanente contacto gracias a Internet y las redes sociales.

El profesor de la Universitat de Barcelona y director de los programas de gestión cultural de dicha universidad, Lluís Bonet Agustí, se unió recientemente a la práctica de liderar un espacio de reflexión en la web. Su blog permite ser partícipe de información y reflexiones sobre diversos aspectos de la gestión cultural; su amplia experiencia en la formación de gestores culturales y su vinculación con diversos proyectos e investigaciones puede convertir a su blog en una extensión formativa para los profesionales de la gestión cultural.

Finalmente, me permito destacar el blog “El dado del arte”. Aunque se trata de un blog especializado en arte contemporáneo, su autora (Pilar Delgado) ofrece en diversas entradas informaciones, reflexiones y documentos sobre la gestión artística y museística en una actividad envidiable en cuanto es capaz de ofrecer una regularidad continuada con seis posts semanales; igualmente, la información que ofrece permite estar al corriente de la realidad artística contemporánea, un sector cultural difícil de gestionar por su complejidad intrínseca.

Con esta entrada he querido hacer un muy breve repaso por ocho blogs que tienen la gestión cultural como temática y que son proyectos personales de gestores culturales profesionales. Creo que las inquietudes que me marcaron la creación de este blog y la razón de ser del mismo coinciden con la de los autores de los blogs que he reseñado; casualmente, prácticamente todos coincidimos cronológicamente en la creación de nuestros blogs, ya que la mayoría de ellos fueron creados entre 2009 y 2010. Considero que el diálogo y la reflexión, tanto individual como colectiva, es fundamental para el desarrollo profesional de la gestión cultural, y entiendo que la existencia de estos blogs ayuda a la misma.

Por supuesto, seguro que existen muchos más blogs escritos por gestores culturales; únicamente he reseñado aquellos que conozco y que sigo en la actualidad, y que me parecen muy interesantes. Desafortunadamente, la mayor dificultad que conlleva la gestión de un blog, a mi modo de ver, es la actualización y la regularidad en la publicación de nuevas entradas; los tiempos personales y la voluntad de aportar informaciones y reflexiones de interés no siempre son del todo compatibles, pero aún así, somos varios los que seguimos intentándolo.

Recomiendo encarecidamente la lectura y/o seguimiento de los blogs reseñados, siempre y cuando sean del interés de quien va a leerlos. Muchos de ellos vienen avalados por la trayectoria de sus autores, y todos ofrecen información y reflexiones que considero de gran importancia para nuestra realización profesional. La oportunidad que se nos ofrece no deberíamos dejarla perder.

27 de diciembre: Gracias a un comentario de Rafa Milán, incluyo a posteriori el blog de José Ramón Insa "Espacio Rizoma". No lo conocía y parece un buen espacio de reflexión ideológica sobre la cultura; me lo apunto para seguirlo.

2 de enero: En mi intención de reflejar blogs personales sobre gestión cultural, dejé de lado algunos blogs corporativos de interés como el de la empresa Trànsit Projectes; se trata de un blog en el que una de las empresas que considero de referencia en la gestión de proyectos culturales muestra su actividad y la información relacionada con ella. Igualmente, y gracias al comentario de @sarok, me he dado cuenta también que había dejado de referenciar el conjunto de blogs del equipo y proyectos de Zemos98, un colectivo vinculado con la educación y el audiovisual del que tengo menos seguimiento, pero que también resulta interesante reseñar.

Lletres valencianes

2010-12-04T14:04:00.005+01:00

El 20 de noviembre, el periódico Levante-EMV me publicaba un artículo (aunque se equivocaba en el nombre) con el título "Lletres valencianes". En él, recordaba cómo en algún momento las autoridades valencianas establecieron esa fecha como el "Dia de les Lletres Valencianes" y cómo su celebración se ha ido diluyendo con el paso del tiempo hasta prácticamente su desaparición.

Iniciativas como el Saló Valencià del Llibre han desaparecido, y los premios a editoriales y librerias valencianas se han cambiado de fecha y ya no coincide con la fecha de conmemoración de la publicación del Tirant lo Blanc de Joanot Martorell.

Os dejo el enlace al artículo de opinión, escrito y publicado en valenciano.

Lletres valencianes

La biblioteca sigue viva

2010-10-31T11:49:00.006+01:00

El domingo 24 de diciembre se celebra el Día Internacional de la Biblioteca, que en España se conmemora a iniciativa de la Asociación de Amigos del Libro Infantil y Juvenil. Se trata de una de las iniciativas de celebración culturales que pasa muy desapercibida, a pesar de la importancia que un equipamiento cultural como las bibliotecas tiene en el desarrollo cultural de nuestras ciudades.

El martes 26 de diciembre, en la edición impresa del Levante-EMV aparecía un artículo firmado por mí en el que hacía una reflexión muy sucinta sobre el papel que la biblioteca sigue manteniendo en nuestra sociedad. Sin duda, hay mucho que hablar sobre el tema, pero el texto (en formato de artículo de opinión) únicamente pretendía hacer unas reflexiones en voz alta y dejar constancia de la celebración de ese día.

La biblioteca sigue viva

Las redes sociales y los profesionales de la gestión cultural

2010-10-12T16:33:00.003+02:00

Hace ya un tiempo (demasiado para mi gusto) de la última entrada de este blog, y la ausencia de tiempo libre es, como en tantas otras ocasiones, la culpable. En esta ocasión, trato de reactivar la práctica de la escritura del blog tratando de hacer una corta reflexión personal sobre las redes sociales en internet y su uso por parte de los profesionales de la gestión cultural.

De todos es conocida la generalización del uso de Internet y las redes sociales. Estas últimas han experimentado un importante auge en los últimos años en el uso personal de ocio y tiempo libre. Aunque en realidad no deja de ser la virtualización de nuestra red social real (todos tenemos una red de contactos sociales que gracias a las herramientas de internet se sistematiza y se potencia su relación), no deja de tener su uso a nivel empresarial y social. Herramientas como facebook o twitter son importantísimos medios de difusión comercial (en parte ambos sistemas son empresas comerciales en sí mismos) y eso ha sabido verlo, aunque muy poco a poco, el sector cultural.

Ya nos podemos encontrar con museos, cines e instituciones culturales que tienen su propio perfil corporativo en facebook o twitter. No son todas, pero poco a poco empiezan a tener consciencia de la potencialidad de este uso: entrar en contacto directo con los usuarios en un entorno informal, obtención de información de primera mano, creación de redes de seguidores, mecanismos de difusión directa y en tiempo real, intercambio de información, etc. Hace un tiempo que sigo el uso que se hace (y se puede hacer) de estas redes sociales, y estoy plenamente convencido de que tienen una potencialidad inmensa. No obstante, en esta reflexión me interesa más el uso que los profesionales de la gestión cultural (no sus organizaciones) pueden hacer de esas herramientas.

Lo admito, tengo cuenta (y perfil) profesional en Facebook, Twitter y (más recientemente) LinkedIn, y me alegra comprobar cómo hay numerosos gestores culturales que utilizan las redes sociales con cierta asiduidad. Estas herramientas nos permiten intercambiar información de interés con profesionales de la otra parte del mundo, pero también con los más cercanos. El intercambio de vídeos, documentos, enlaces, reflexiones y comentarios se hace contínuamente y permite obtener una información que, de otra manera, sería más complicado.

Facebook permite, entre otras muchas cosas, el intercambio de vídeos, enlaces y fotografías, y la posibilidad de comentar todos ellos. Al tratarse de una red social generalista, mucha gente dispone de una cuenta y, por tanto, es fácil encontrar compañeros de profesión e iniciar a partir de ahí una relación profesional con cierta facilidad.

Twitter ofrece información en tiempo real. Con unos tiempos muchísimo más rápidos que facebook, twitter permite el intercambio de mensajes e informaciones de 140 caracteres como máximo. Es ideal para ofrecer enlaces y breves reflexiones, y para conversaciones rápidas.

LinkedIn es una red social profesional. Aunque también es generalista, me sorprendió comprobar que no eran pocos los gestores culturales que disponían de su propio perfil. Aquí únicamente se intercambia información profesional y la trayectoria curricular de cada uno, pero parece ser una herramienta buena para buscar socios y colegas para proyectos profesionales. No obstante, algunas aplicaciones parecen estar limitadas a la versión de pago.

Vengo usando facebook alrededor de tres años, twitter casi un año, y linkedin unas pocas semanas, y las tres herramientas me han permitido obtener e intercambiar información profesional con una eficacia notable. Creo que todos los profesionales de la gestión cultural deberíamos comenzar a ser conscientes que tener un perfil en estas redes sociales (así como en otras que no he mencionado) nos permite estar y ponernos en contacto con compañeros de profesión con los que en un momento dado poder compartir una información, solicitar consejo o reflexionar acerca de un tema dado. Pienso que el perfil en las redes sociales comienza a ser (o acabará siendo) tan fundamental como disponer de un teléfono; todo es cuestión de tiempo. Yo de momento, ya he empezado.

Por cierto, aquí tenéis mis perfiles en facebook, twitter y linkedin por si puede interesaros agregarme (soy jomartor), estaré encantado de formar parte de vuestra red de contactos profesional.

Facebook: http://www.facebook.com/jomartor
Twitter: http://twitter.com/jomartor
LinkedIn: http://es.linkedin.com/pub/jos%C3%A9-mart%C3%ADnez-tormo/25/515/3b2

Arquitectura milagrosa

2010-08-10T11:54:00.003+02:00

En diversos foros y escritos de opinión se ha abordado en múltiples ocasiones, desde la gestión cultural, la problemática de la arquitectura de los centros culturales y de cómo, en algunas ocasiones, se prima la estética sobre los usos y la espectacularidad arquitectónica sobre los espacios. Recientemente, en marzo de 2010, la editorial Anagrama publicaba un libro que abordaba en cierto modo la problemática de las grandes obras arquitectónicas en las ciudades españolas.

Arquitectura milagrosa. Hazañas de los arquitectos estrella en la España del Guggenheim trata de la tendencia, a partir de la experiencia del museo Guggenheim en Bilbao, de que los responsables políticos acudan en busca de arquitectos de reconocido prestigio internacional para pretender conseguir la regeneración de espacios urbanos, e incluso de localidades en sentido global, y en no pocas ocasiones sin tener en cuenta el futuro uso de los equipamientos. Llàtzer Moix, crítico de arquitectura, realiza en este libro un repaso de las intervenciones arquitectónicas de los más afamados autores internacionales en un conjunto de ocho ciudades españolas (Bilbao, Valencia, Santiago de Compostela, Zaragoza, Barcelona, Madrid, L’Hospitalet y Palafolls), analizando la problemática que supone la contratación de estos arquitectos estrella con esos condicionantes de antemano.

La lectura del libro resulta interesante en su totalidad pero, además, tiene especial interés en que ocho de los edificios analizados son de uso estrictamente cultural (centros culturales, museos y bibliotecas). Los nombres de los arquitectos Santiago Calatrava, David Chipperfield, Norman Foster, Frank Gehry, Zaha Hadid, Herzog & De Meuron, Arata Isozaki, Toyo Ito, Jean Nouvel, entre otros, se repiten constantemente a lo largo de las páginas y constatan cómo se trata de una nómina limitada de arquitectos que son seducidos por los políticos ávidos de grandes proyectos para sus ciudades.

Todos los casos, analizados a partir de visitas y entrevistas con los diferentes agentes implicados, permiten hacerse una idea de las verdaderas consecuencias de una falta de planificación y de tener únicamente en cuenta la cuestión de la imagen urbana, más allá de la planificación económica o de usos de esas instalaciones. A modo de ejemplo, me permito reproducir aquí un párrafo del epílogo que es muy significativo de lo que se encuentra en las páginas de desarrollo del texto:

“Cada una de las historias revisadas nos lega una enseñanza. En Bilbao aprendimos que el éxito arquitectónico puede surgir donde menos se lo espera y a partir de planteamientos muy aventurados. En Valencia y Santiago, que la conjunción de clientes inexpertos con arquitectos incontinentes conduce a la desmesura y al derroche de dineros públicos. En Zaragoza, que el factor contrarreloj no hace sino aumentar tales efectos. En Barcelona, que ni siquiera ciudades con solera urbanística y arquitectónica se han librado de la fiebre estelar. En Madrid, que la epidemia no ha sido todavía controlada. En L’Hospitalet, que el marquismo arquitectónico ya no es sólo un privilegio de las villas acomodadas, sino también un arma que empuñan en su lucha emancipatoria las históricamente marginadas. En el capítulo dedicado a las bodegas, aprendimos que la arquitectura estelar parece a veces un recurso de marketing. En Palafolls, que un cliente con ideas propias puede llegar lejos casi sin recursos. Y, en Andorra, que cuando el cliente no valora otra arquitectura más que la producida por los aristócratas del Pritzker, se expone a acabar subiendo al cadalso encadenado a ellos”.

Llàtzer Moix demuestra un completo conocimiento del tema y de los diferentes ejemplos que aborda, y lo expone con un texto ágil y de fácil lectura no exento de rigor y seriedad. La división en capítulos dedicados cada uno de ellos a una ciudad diferente permite, por un lado, una lectura de todo el libro, pero también una lectura individualizada por capítulos sin que se corra el riesgo de perder la tesis final del gran reportaje de periodismo cultural que supone el texto.

Arquitectura milagrosa puede concebirse como una obra de periodismo cultural o de crítica de la arquitectura, pero no debe obviarse que se trataría de un excelente manual para aquellos políticos que rigen el urbanismo y la arquitectura de nuestras ciudades. De igual forma, se trata de un texto que podría incluirse perfectamente en la nómina de títulos de lectura obligada en torno a la política cultural; no en vano, varias de las obras arquitectónicas incluidas en las páginas de este libro se justificaron a priori dentro de una política cultural de ámbito local o regional, independientemente de que luego formaran parte o no de una verdadera acción cultural. Sin lugar a dudas, se trata de un texto de muy fructífera lectura para tomar conciencia de la importancia de una verdadera política cultural también en los equipamientos.

21 de junio: Sacar la música a la calle

2010-06-27T18:06:00.003+02:00

Hacer accesible la cultura a todos los ciudadanos, independientemente de su condición socio-económica, era uno de los pilares básicos de la denominada democratización de la cultura, un tipo de política cultural que, al menos a priori, hace tiempo que fue superada. Efectivamente, hoy en día ya no son tanto las barreras económicas las que dificultan el acceso a las manifestaciones culturales, un hecho ya superado con cierta generalización; actualmente deberíamos ver esta dificultad en otros componentes sociológicos, ideológicos, actitudinales y, sencillamente, de competencia de posibilidades de ocio y entretenimiento.

A su vez, el consumo de servicios culturales en los últimos tiempos ha cambiado. Actualmente, y en la gran mayoría de la población, se acentúa el carácter lúdico de la cultura más allá del puramente estético o experiencial. Y, en efecto, esta característica ha hecho cambiar los modos en que se ofrecen las actividades culturales a la ciudadanía.

El pasado lunes, día 21 de junio, se celebró en diversas ciudades el Día Internacional de la Música. Desarrollada e inventada por el Ministerio de Cultura francés de Jack Lang en 1981, la Fête de la Musique tuvo su primera edición el 21 de junio de 1982 como una forma de sacar la música de todo tipo a la calle. A partir de la existencia de unos altos índices de conocimiento y práctica musical entre los ciudadanos franceses, y de la máxima desarrollada por el Director de Música y Danza, Maurice Fleuret, de “la música en todos los sitios y el concierto en ningún lugar”, se vio la posibilidad de organizar un evento en el que los músicos aficionados, junto a aquellos profesionales, llenaran las calles de las ciudades francesas ofreciendo sus habilidades musicales a todos los viandantes y conciudadanos. Esta “Fête de la Musique” tuvo un gran éxito y, poco después, la idea comenzó a exportarse a otras ciudades y países, llegando actualmente a estar presente la misma idea en más de 430 ciudades de 110 países de todo el mundo.

Recientemente tuve la sensación (por mucho tiempo deseada) de vivir algo parecido en la ciudad de Valencia. El viernes 18 de junio, en una de las plazas con más significación social, se proyectó en una pantalla gigante al aire libre la representación de la ópera Carmen que estaba teniendo lugar al mismo tiempo en el Palau de Les Arts y que se proyectó simultáneamente en 43 ciudades europeas dentro del programa “Viva Europa 2010”. La coincidencia hizo que, mientras acudía al centro de la ciudad para ver el montaje de la proyección operística, me encontrara con una de las actuaciones musicales que, de manera periódica a modo de ciclo, se realizan en algunas estaciones de metro de la ciudad. La sensación fue agradable: acudir a una representación musical al aire libre en una tarde de verano, y encontrarme en el trayecto con actuaciones musicales en vivo y de manera gratuita. Lástima que fuera de manera muy coyuntural.

Sin menospreciar las actividades indicadas, hubiera agradecido que una misma proyección operística se hubiera celebrado en el Día Internacional de la Ópera, junto con actividades de promoción de este tipo de manifestación cultural para todos los públicos, que en esta ciudad se quedó huérfano. Igualmente, eché en falta que las actuaciones musicales en vivo y en la calle no se hubieran celebrado el 21 de junio por todos los barrios y distritos municipales. Yo hubiera aprovechado esos hitos en el calendario para promocionar sus respectivos estilos escénicos, siempre en la calle, independientemente de otros espacios posibles.

Considero importante sacar la música a la calle, más allá de las manifestaciones de las bandas de música a las que estamos más acostumbrados y que no están pasando por un buen momento económico ni de relación con las administraciones públicas. La gente llenaba la plaza y se paraba en la estación de metro frente al grupo que tocaba en ese momento; eso significa que hay un interés por estas actividades. ¿Por qué no generalizarlas con cierta regularidad? Cuestión de políticas, ideas, miras o planificación…

Día Mundial de la Diversidad Cultural

2010-05-22T23:01:00.003+02:00

Desde que la UNESCO aprobara en 2001 la Declaración Universal sobre la Diversidad Cultural, se proclamó el 21 de mayo como el Día Mundial de la Diversidad Cultural para el Diálogo y el Desarrollo como una oportunidad para reflexionar sobre los valores que aportan la diversidad cultural para una mayor convivencia social.

Cada vez se hace más evidente, en todos los ámbitos, la evolución de unas sociedades culturalmente homogéneas y su conversión a unas sociedades multiculturales. Cada día se manifiesta más abiertamente la coexistencia en un mismo territorio de personas procedentes de culturas diversas y, en algunos casos, contrapuestas. Y esa coexistencia, en ocasiones, puede generar conflictos. Pero estos conflictos no han de ser necesariamente violentos. Un cambio en la sociedad ha de llevar parejo un cambio en las políticas; y las políticas culturales no han de ser una excepción en este sentido, sobre todo cuando este cambio social viene motivado por unos determinantes culturales de primer orden.

Estas nuevas políticas culturales deben ofrecerse como un vehículo de transformación social, que garanticen el acceso a bienes culturales de calidad y contribuyan a la visibilidad de todos los colectivos. En este sentido, la dimensión ética de la cultura adquiere un nuevo protagonismo como elemento para el desarrollo.

Los nuevos tiempos requieren de políticas culturales capaces de ofrecer una transformación social a partir de la participación ciudadana, con la implicación de los profesionales de la cultura y toda la sociedad civil y el establecimiento de espacios de encuentro y reflexión colectiva. Las políticas culturales locales, en este sentido, son el primer nivel de ordenación y planificación en la búsqueda de una potenciación y defensa de la diversidad cultural como elemento fundamental para el desarrollo. La "Convención sobre la protección y la promoción de la diversidad de las expresiones culturales" ofrecieron un texto como base a un texto normativo que vaya en ese camino de ofrecer un espacio a las identidades múltiples.

Día Internacional de los Museos

2010-05-22T21:54:00.003+02:00

Un año más, el día 18 de mayo se ha celebrado el Día Internacional de los Museos. El ICOM anima a organizar actividades que conmemoren este día como una oportunidad de hacer más visible a la sociedad la actividad diaria de las instituciones museísticas.

Este año, con el lema “Museos para la armonía social”, el Consejo Internacional de los Museos (ICOM) pretende hacer relevante una de las funciones que los museos han ido desarrollando en los últimos años como espacios públicos de reflexión, mediación y encuentro entre las diferentes realidades culturales y sociales de nuestros territorios.

Con ocasión del Día Internacional de los Museos, Levante-EMV en su edición digital publicó un artículo mío en el que pretendía hacer una reflexión sobre el papel que los museos pueden desempeñar para la consecución de esa armonía social tan deseable y necesaria en un mundo tan globalizado como el existente en unas sociedades cada vez más multiculturales. Dejo el enlace directo para que podáis leerlo con el deseo que el papel mediador de los museos cobre cada vez un mayor protagonismo en la conformación de nuestras sociedades.

Por una armonía social desde el museo

Elegir un máster en gestión cultural

2010-05-08T16:39:00.004+02:00

Completar la formación o adquirir una especialidad en gestión cultural ha venido realizándose tradicionalmente por la práctica cotidiana de muchos años de actividad o por la incorporación a un programa de postgrado en gestión cultural. Pero elegir un máster no es tarea sencilla, sobre todo teniendo en cuenta el importante desembolso económico que supone. En varias ocasiones se ha puesto en contacto conmigo, a partir del correo electrónico, gente que tenía la intención de cursar un máster en gestión cultural y que me consultaban opciones o aspectos a tener en cuenta a la hora de embarcarse en esa aventura. Una última consulta me ha hecho plantearme escribir y subir al blog aquellos aspectos que, siempre desde una perspectiva totalmente personal, he sugerido a todos aquellos que han acudido a mí en busca de asesoramiento o guía. Así que, ahí van:

Máster oficial o título propio

Hasta hace unos cuatro años, todos los másters eran títulos propios de las universidades, y eran ellas las que reconocían y expedían los correspondientes títulos. Con el proceso de convergencia europea surgieron los másters oficiales, con reconocimiento en todo el territorio español y una ordenación en sus contenidos que han de pasar por la correspondiente administración pública. Muchos de los másters en gestión cultural se han convertido en másters oficiales pero otros siguen siendo títulos propios de sus correspondientes universidades. Así que, ¿con cuál nos quedamos? En mi opinión, todo depende de la circunstancia personal de cada persona. Si se trata de una persona con cierta experiencia, que ya está trabajando, que no dispone de mucho tiempo y que simplemente quiere formarse para mejorar, un título propio puede ser suficiente. Si, por el contrario, se trata de una persona joven, con disponibilidad de tiempo (generalmente los másters oficiales tienen sus horas lectivas repartidas a lo largo de toda la semana), sin apenas experiencia profesional y que tiene en mente poder realizar en un futuro un doctorado en gestión cultural, debería decantarse por el máster oficial.

Máster a distancia o en edición presencial

Algunos programas de postgrado, especialmente en su formato de título propio, permiten cursar sus contenidos en una edición a distancia, lo cual ofrece ciertas ventajas a la hora de programar el tiempo que se le puede dedicar al mismo. En mi opinión, a la hora de elegir, siempre será mejor decantarse por una edición presencial por varias razones, pero la principal es la posibilidad de estar en contacto personal con compañeros, profesores y profesionales, así como la visita a instalaciones culturales y actividades complementarias. Al igual que en el apartado anterior, la situación personal tiene mucho que decir: hemos de valorar si podemos desplazarnos al lugar de impartición del máster durante toda su duración o si es posible compaginar nuestros horarios con el programa académico.

Temática específica del máster

En España, la oferta de programas de postgrado y máster en gestión cultural es múltiple y variada. Cada universidad ha ido configurando un programa de postgrado en gestión cultural a iniciativa de uno o varios de sus departamentos, que han ido configurando una temática concreta a partir de la que se concibe la disciplina y práctica de la gestión cultural. Independientemente del temario, que suele ser bastante similar entre todos ellos, esa iniciativa departamental hace que podamos encontrarnos con másters orientados a la gestión cultural territorial, industrias culturales, artes escénicas y musicales, patrimonio cultural, cultura popular, artes visuales, museos o turismo cultural, entre otros. Es importante seleccionar dependiendo del interés particular, ya que el hecho de que un máster centre gran parte de sus horas lectivas en un tema específico revertirá en una mayor especialización. Gran parte del temario será común a todos ellos (cuestiones de planificación, marketing, etc.), pero no necesariamente tendrán los mismos contenidos un máster especializado en gestión de las artes escénicas y uno que lo haga en turismo cultural.

Temario

Independientemente de la temática específica que haya desarrollado, por su propia trayectoria, cada uno de los programas de postgrado, es cierto que la propia evolución de la profesión de la gestión cultural ha ido conformando un temario básico o perfil formativo concreto, independientemente del sector específico de la cultura al que el profesional haya de dedicarse en su vida laboral. En todo máster en gestión cultural, a mi juicio, deberían estar contemplados módulos específicos sobre los siguientes temas:

Profesión del gestor cultural.
Marco conceptual de la cultura.
Políticas culturales.
Planificación cultural.
Marketing y difusión cultural.
Estudios de mercado.
Gestión de recursos humanos.
Presupuestos y contabilidad.
Financiación y patrocinio.
Evaluación cultural.
Gestión de infraestructuras y equipamientos culturales.
Legislación aplicada a la cultura.
Sistemas de información cultural.
Metodología de investigación en la gestión cultural.

Por supuesto, estas temáticas deberían completarse con aquellas específicas de cada uno de los ámbitos temáticos de intervención dependiendo del sector cultural escogido.

Profesorado

Uno de los aspectos que siempre me ha preocupado a la hora de seleccionar un curso es el referente al profesorado, y en el caso de un postgrado lo considero fundamental. En los diferentes másters participan tanto profesores universitarios como profesionales en activo. Entiendo que un ejercicio útil y provechoso es analizar, aunque sea brevemente, el grupo de docentes y conocer su trayectoria, dedicación y ámbito de especialización. Un postgrado en el que haya una aplastante mayoría de profesores universitarios nos permitirá tener una importante base teórica, pero perderemos la perspectiva práctica; por el contrario, la ausencia de teóricos o investigadores puede hacer caer en un exceso de practicidad sin la necesaria reflexión o análisis previo. En el caso de los profesionales, también es importante que se complemente la visión de los técnicos de la administración pública con la de los profesionales autónomos y aquellos implicados en proyectos empresariales. En definitiva, se trata de que todos aquellos docentes que pasen por las aulas permitan obtener una visión lo más completa posible de la realidad actual de la gestión cultural. A esto puede ayudarnos el hecho de que, si tenemos algo de interés previo en la profesión, podamos hacernos un listado de los profesionales más notables de nuestro ámbito territorial más cercano.

Prácticas

Otro aspecto que considero importante a tener en cuenta en la formación profesional de los gestores culturales es la posibilidad de cursar un número determinado de horas prácticas en una organización cultural. Así, resulta conveniente conocer previamente qué organizaciones e instituciones culturales son ofertadas para realizar prácticas en cada uno de los programas de postgrado. Generalmente, soy más partidario de organizaciones pequeñas con importante trayectoria y diversificación que grandes instituciones culturales; ¿el motivo?, simplemente porque se supone que en una organización de menor tamaño podremos poner en práctica muchas más herramientas y estrategias de gestión que en los grandes equipamientos culturales especializados, donde centraremos la actividad en un departamento altamente especializado, sin acabar de obtener una visión global. A la hora de decantarnos por un programa formativo u otro, analizar la oferta de prácticas puede ser un buen ejercicio.

Reflexionar y decidir

He comentado algunos aspectos que considero importantes a la hora de valorar la incorporación o no a un curso concreto de gestión cultural. Yo mismo hice ese ejercicio en su momento. Por supuesto, no se trata de un ejercicio sencillo, y la diversidad de variables con la que se juega hace que la decisión no sea fácil. Pero, en todo caso, yo recomiendo que se valoren todas esas variables antes de lanzarse de cabeza a un programa de gestión cultural que, tal vez, no acabe cumpliendo con las expectativas creadas. Conozco casos de gente que se metió a hacer el máster sin tener una base de conocimientos sobre la profesión y como continuación directa de la titulación universitaria y que, con el tiempo (y personalmente creo que por no haber tenido en cuenta muchas variables) no cumplieron sus expectativas y no valoraron correctamente su paso por la formación de postgrado.

Las tarifas de los cursos de postgrado no permiten cometer demasiados errores ni locuras, así que es imprescindible (como en la práctica diaria de la gestión cultural) hacer un estudio del territorio, obtener la mayor cantidad de información posible y, a partir de ella, valorar y tomar decisiones. Seguro que hay muchas más variables a tener en cuenta, ¿alguien aporta alguna otra?

Día Internacional de la Danza

2010-04-28T22:57:00.002+02:00

El 29 de abril de 1727 nació Jean-Georges Noverre, un bailarín francés que ha sido considerado como el precursor del baile moderno. Así, y para recordar la figura de Noverre, el Instituto Internacional del Teatro (ITI), en su sección de danza, instauró en 1982 el Día Internacional de la Danza coincidiendo con la conmemoración de su nacimiento. El principal objetivo que se planteaba con esta fecha es el de promulgar la danza como un lenguaje común más allá de fronteras políticas, culturales y étnicas, y defender la universidad de su forma artística.

En este sentido, y al igual que con el Día Mundial del Teatro, el Consejo Internacional de Danza del ITI elige anualmente a una destacada personalidad de la coreografía o el baile para lanzar un mensaje oficial que se distribuya por el mundo. En 2010, la persona elegida para tal fin es Julio Bocca, bailarín argentino de reconocida trayectoria profesional, que elaboró el siguiente mensaje:

“La Danza es disciplina, es trabajo, es enseñanza, es comunicación.Con ella nos ahorramos palabras que tal vez otras personas no entenderían y, en cambio, establecemos un idioma universal que nos es familiar a todos.Nos da placer, nos hace libres y nos consuela de la imposibilidad que tenemos los humanos de volar como los pájaros, acercándonos un poco al cielo, a lo sagrado, a lo infinito.Es un arte sublime, diferente cada vez, que se parece tanto a hacer el amor que al finalizar cada representación nos deja el corazón latiendo muy fuerte y esperando con ilusión la próxima vez”.

El Día de la Danza es una ocasión importante. Se trata de una conmemoración que debería permitirnos trabajar en la difusión del lenguaje universal que constituye esta manifestación escénica, más allá de la etiqueta de “espectáculo de riesgo” que algunas personas se empeñan en imponer, especialmente para la danza contemporánea, pero que no tiene una lógica razón de ser.

Si observamos con algo de detenimiento la programación cultural de cualquiera de nuestros municipios, observaremos cómo la danza es un estilo escénico totalmente minoritario y, en cierto modo, marginado. El temor a no llenar la sala obliga a renunciar este estilo en favor de otros más “seguros” como el teatro cómico, por citar un ejemplo. La gente no acude a ver danza como podría acudir a ver una obra de teatro, y en muchos casos se trata de un simple desconocimiento.

La gran mayoría de la población no está acostumbrada a ver danza; en realidad algo parecido ocurre al arte contemporáneo. Si bien la danza puede ser (y lo es en muchos casos) un recurso fundamental en la formación física de los escolares, especialmente en las edades más tempranas, en muy raras ocasiones se educa a los estudiantes en la observación y disfrute de la danza. Muchas veces, los estudiantes (bien sean de primaria, secundaria o bachillerato) acuden a ver representaciones de teatro, en lo que supone en muchos casos uno de los primeros acercamientos al hecho escénico; ¿por qué no hacer lo mismo con la danza?, ¿por qué no sugerir una primera experiencia sensorial con el baile y la coreografía en las edades en que van forjándose los gustos y aficiones? Es simplemente una idea entre varias.

Este 29 de abril se celebrará, entre el sector profesional, la fiesta de la danza. Probablemente no deje de ser una celebración profesional. En muchos casos no llegará a la población de a pie y, probablemente, sea por una falta de organización de actividades que lleguen a los ciudadanos. Tal vez sigamos pensando que la danza, especialmente la contemporánea, sea un espectáculo “de riesgo” y probablemente dejemos a nuestros escolares, amigos y familiares (incluso tal vez a nosotros mismos) sin la oportunidad de descubrir todo un mundo de sensaciones, percepciones y sentimientos que pueden experimentarse a partir de la asistencia a una obra coreográfica. Tal vez…

¡Feliz Día Internacional de la Danza!

23 de abril: Día del Libro

2010-04-28T20:19:00.003+02:00

El pasado 23 de abril se conmemoró del Día del Libro. Una fecha en la que los que leemos tenemos la excusa para incorporar, al menos, un volumen más a nuestra biblioteca personal; y una oportunidad para tratar de acercar la lectura a aquellos a los que les cuesta más abrir las páginas de un libro.

Este año, personalmente, volví a celebrarlo como siempre en que tengo ocasión. Aproveché que ya estaba montada la Feria del Libro de Valencia, en los jardines de Viveros, para dar una vuelta por las casetas y los stands, revisando las novedades, reencontrándome con algunos libros, editoriales y temáticas, y disfrutando de un buen ambiente. Y, ¿cómo no? seleccioné, cogí y compré unos cuantos libros.

Ese mismo día tuve la suerte de que el Levante-EMV me publicará un pequeño artículo en la sección de opinión sobre la efemérides. No es otra cosa más que una reflexión muy personal sobre el 23 de abril. Dejo aquí el enlace, como reflexión y aportación para ese día.

23 de abril: un paseo entre libros

Mapa Cultural de la provincia de Valencia

2010-04-11T18:06:00.002+02:00

Desde que el 28 de febrero de 2007 se presentara por primera vez el proyecto del Mapa Cultural de la provincia de Valencia, y en los momentos previos de gestación, han sido diversos los profesionales implicados en que dicho proyecto viese la luz en lo que pretende ser una herramienta útil y accesible para todos los ciudadanos de la provincia de Valencia y aquellas personas que tengan cualquier tipo de relación con ella.

Ideado, desarrollado y gestionado por el Servicio de Asistencia y Recursos Culturales (SARC) de la Diputación de Valencia, el Mapa Cultural se materializa en una importante base de datos con 51 fichas temáticas que recogerán la totalidad de recursos culturales existentes en los municipios de la provincia de Valencia.

El Mapa Cultural, materializado en un formato de acceso a la información a partir de un portal web de acceso público se presentó públicamente el 22 de julio de 2009, momento a partir del cual cualquier ciudadano puede acceder a la información disponible hasta el momento.

En el último número del Boletín de Gestión Cultural, publicado online por el Portal Iberoamericano de Gestión Cultural, que trata de los observatorios culturales, han publicado un artículo escrito por mí en colaboración con una de las responsables del proyecto en el que comentamos diversos aspectos técnicos del proyecto. Dejo el enlace directo al artículo para poder acceder mejor:

El Mapa Cultural de la provincia de Valencia

Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil

2010-04-02T13:00:00.003+02:00

El 2 de abril de 1805 nació en Odense (Dinamarca) Hans Christian Andersen, una de las referencias históricas en la narrativa infantil por su extensa colección de cuentos que ha alimentado el imaginario occidental de numerosas generaciones; en especial a partir de la adaptación de parte sus cuentos por la industria cinematográfica.

Como homenaje a la figura de Andersen, la International Board on Books for Young People (IBBY), fundada en Zurich en 1953, promueve desde 1965 la celebración del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil coincidiendo con la fecha de nacimiento del autor danés.

En España, la representación de la IBBY la ejerce la Organización Española Para el Libro Infantil y Juvenil (OEPLI). Esta organización ha elegido este año el texto de Eliacer Cansino y el cartel de Noemí Villamuza para conmemorar el Día del Libro Infantil con el lema “Un libro te espera, ¡búscalo!”.

Aunque este año coincide con la Semana Santa, no es menos cierto que esta conmemoración se ha visto generalmente eclipsada por la cercana del 23 de abril. No obstante, considero importante que se potencie una jornada específica para el acercamiento a la lectura de los niños y jóvenes, por todos los valores que puede aportar la lectura a la formación. En este sentido, los centros educativos han llevado a cabo una importante labor de dinamización lectora que ha de ser completada por las familias fuera del entorno escolar. Es importante que los niños dejen de ver la lectura como una extensión del trabajo en el aula y adopten la lectura como una actividad lúdica, sin presiones.

Hace tiempo que se están llevando a cabo diversas iniciativas para el fomento de la lectura, generalmente desde el ámbito público. Pero es importante que las familias tomen un papel activo en la creación de públicos; actividades tan sencillas como acudir a un cuentacuentos o a una librería acompañados de sus hijos, acercarse a la sección infantil y descubrir con ellos las excelentes propuestas editoriales pensadas en exclusiva para el público infantil y juvenil pueden ser muy buenas opciones de celebrar este día.

Así pues, ¿qué hacer un 2 de abril? Me permito dar cuatro ideas, muy sencillas, para hacer con los niños, aparte de otras muchas que se pueden realizar:

Acercarse a la sección infantil de una librería.
Explorar con los niños los diferentes libros y sus ilustraciones, permitiendo que sean ellos los que vayan descubriendo propuestas interesantes para ellos.
Dejar que elijan uno y regalárselo.
Al llegar a casa, juntarse toda la familia en un espacio de lectura común, donde cada miembro lea individualmente su libro, pero que los niños participen de esa actividad lectora y vean a los padres leer.

Para finalizar, me permito recomendar dos referencias que pueden ayudar en la labor de promocional la lectura entre el público infantil y juvenil. Por un lado, la Fundació Bromera per al foment de la lectura; y, por otro, un libro, Llegir per a créixer, editado y distribuido por la propia fundación.

Conmemorad (y disfrutad) de este día. Hagamos nuevos lectores y disfrutemos (niños y adultos) de las propuestas de gran calidad de literatura infantil y juvenil. Un libro nos espera, ¡busquémoslo!

Día Mundial del Teatro

2010-03-28T14:54:00.006+02:00

Ayer sábado, 27 de marzo, se celebró el Dia Mundial del Teatro.

Esta conmemoración se instauró en 1961 a iniciativa del Instituto Internacional del Teatro, organismo dependiente de la UNESCO, con el objetivo de que sirviera de referencia para que la sociedad en general pusiera la vista sobre la realidad del sector teatral y el fenómeno escénico. La fecha del 27 de marzo ha ido llenando de acontecimientos singulares las programaciones culturales de ciudades repartidas por todo el mundo, y se ha pretendido dotar de cierto contenido con la elaboración de un mensaje anual a cargo de una personalidad del teatro de reconocido prestigio internacional.

Este año ha sido la actriz Judi Dench la encargada de animar a los profesionales y al público en general a apoyar y disfrutar el fenómeno escénico como algo más que un medio de ocio y entretenimiento. Y es que el teatro es mucho más: una profesión, una forma de socialización, un medio de reflexión, una fuente de entretenimiento, y una herramienta de educación, entre otras cosas.

En la Comunitat Valenciana, actualmente, el sector teatral vive un momento ciertamente preocupante. La reconversión del Circuit Teatral Valencià por parte del gobierno autonómico parece haber sido el punto culminante para que el sector profesional alzara su voz denunciando una situación que viene sufriendo durante algún tiempo por parte de la administración pública. Aquí el Día Mundial del Teatro no ha tenido una gran repercusión; las referencias en los medios de comunicación han sido más bien escasas, y la conmemoración oficial, inexistente; únicamente algunos municipios con una destacable tradición escénica se han atrevido con programaciones especiales.

En los periódicos se podía leer, eso sí, un manifiesto firmado por múltiples profesionales del sector teatral (tanto del campo artístico como técnico) denunciando la situación actual del mundo escénico valenciano. Lástima que ese texto no haya tenido la difusión necesaria y conveniente. He intentado buscarlo por internet para editarlo aquí, pero no lo he encontrado.

Me da la sensación de que se deja perder una oportunidad reivindicativa importante. Espero que tan sólo sea una sensación personal.

Ayer, el periódico Levante-EMV, tanto en su edición digital como en papel, me publicó un artículo de opinión con motivo del Día Mundial del Teatro. Para respetar la edición, no publico aquí más que el enlace para aquellos que queráis leerlo:

Por un Día Mundial del Teatro y el Diálogo

Una gestión cultural coherente

2010-03-08T22:28:00.001+01:00

Desde los comienzos de este blog, hace unos meses, siempre he tratado de evitar los temas que han podido ocasionar cierta polémica política, aún a riesgo de obviar ciertos temas culturales de actualidad. Pretendía albergar una serie de textos de contenido ciertamente más técnico, o de reflexión, siempre en el ámbito de la gestión cultural, sin abordar aspectos más cercanos a la política cultural, aunque ambas esferas siempre aparecen indisociablemente unidas.

En esta ocasión me desmarco de esta tendencia y reflexiono acerca de unos acontecimientos ocurridos en estos últimos días en la ciudad de Valencia, marcados de manera amplia por la coyuntura política del momento, pero que permite atender a aspectos relacionados con la deontología profesional y el perfil del gestor cultural. Me refiero a la dimisión del director del Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM) a raíz de la censura de unas fotografías que formaban parte de una exposición. Aún a riesgo de ser excesivamente simplista, voy a tratar de hacer un resumen del contexto y lo ocurrido estos días.

El MuVIM es un museo dependiente de la Diputació de València dedicado, en un primer momento, al período histórico de la Ilustración y a los diálogos producidos entre la Ilustración y la Modernidad, concibiéndose como un museo de las ideas con un importante componente de reflexión. En 2004, la Diputación de Valencia encarga a Román de la Calle, de la Universitat de València, el liderazgo de un proyecto agonizante; el nuevo director consigue ilusionar a un equipo técnico alrededor de un nuevo proyecto ilusionante y esperanzador que, acompañado por un nuevo impulso administrativo, dio sus resultados muy pronto.

El museo tiene una intensa programación expositiva, con exposiciones de producción propia, pero también con coproducciones y propuestas de colectivos ciudadanos. Esta última línea es en la que se enmarca la exposición “Fragments d’un any. Fotoperiodistes valencians 2009”, en la que se exponen fotografías a modo de resumen de la actualidad de todo un año en la Comunitat Valenciana, tal y como en ediciones anteriores se había venido realizando con normalidad. La exposición se presentó e inauguró el jueves 4 de marzo; al día siguiente, desde los responsables políticos del museo se daba la orden de retirar un conjunto de diez fotografías que hacían referencia gráfica a noticias del “caso Gürtel”, en una práctica muy cercana, si no, a la censura; la Unió de Periodistes Valencians, organizadora de la exposición, decide retirarla por completo. El escándalo salta a todos los medios de comunicación nacionales y la Diputación se escuda afirmando que la decisión de retirar las fotografías fue consensuada entre la dirección política y la dirección técnica del museo.

Hoy, Román de la Calle contradecía la institución provincial, afirmaba que él nunca hubiera permitido la retirada de parte de esa exposición, y presentaba su dimisión como director del MuVIM. En este último aspecto es en el que quiero centrar mi reflexión.

Román de la Calle dimite en un ejercicio, a mi juicio, impecable de coherencia profesional.

1. El museo cede un espacio en su programación anual a una entidad privada, y colabora con sus organizadores en el diseño de la exposición; en todo momento, por tanto, el museo puede ser consciente de las obras expuestas.
2. La exposición se presenta a los medios de comunicación, con presencia de responsables políticos, y no hay ningún problema. Por la tarde se inaugura la exposición con la presencia de un diputado (ajeno a los asuntos de la política cultural), con aparente normalidad. A la mañana del día siguiente, se toma la decisión política de censurar las fotografías.
3. El museo se centra en las ideas, los derechos humanos, la reflexión y todos los valores heredados del movimiento ilustrado. La censura no se encuentra dentro de esos valores.
4. El director del museo aparece acusado por la dirección política como coautor de la decisión.

Con una política cultural coherente no se hubiera producido la retirada de las fotografías: si se lleva trabajando tres años con la asociación sin ningún problema, si se conoce el contenido de la exposición, si se inaugura y presenta a los medios de comunicación con total normalidad, ¿por qué se mutila un día después? ¿Por qué en un museo dedicado a las ideas se censuran fotografías que pueden dar lugar a la reflexión ciudadana? ¿Por qué en un centro cultural supuestamente heredero del movimiento ilustrado se realiza un acto de censura ideológica? No es coherente.

Román de la Calle ha sido completamente coherente con las líneas de acción del museo. La coherencia que el espectro político no ha sido capaz de respetar en el museo, la ha asumido el director, aún a riesgo de desembarcar del proyecto cultural. Bien es cierto que, con su trayectoria, tiene bien cubiertas las espaldas, pero no deja de ser un modelo a imitar.

La relación de los gestores culturales con los políticos es muy complicada, sobre todo en casos parecidos a éste, pero la coherencia profesional debería ser básica en el ejercicio diario de nuestra profesión. A falta de una deontología debatida, aprobada y asumida por la totalidad de los gestores culturales, acciones como éstas deben ser asumidas como ejemplos para el resto de profesionales.

Un ejemplo como éste no debería caer en el olvido; el caso de Román de la Calle debe hacernos reflexionar sobre la coherencia profesional en la gestión cultural. La coherencia en la política cultural es igualmente necesaria e imprescindible pero, de momento, no nos compete a nosotros.

ARCO 2010: visita a una feria de arte contemporáneo

2010-03-05T20:34:00.007+01:00

Lo reconozco. Nunca antes había acudido a una feria de arte contemporáneo; bueno, nunca no; acudí a una hace muchísimos años, mucho antes de que decidiera dedicarme al mundo de la gestión cultural, y era una feria más bien pequeña. Aunque hacía mucho tiempo que quería haberme acercado a ARCO, la incompatibilidad de fechas con diferentes asuntos personales o profesionales siempre me lo había impedido. En esta ocasión dije que no me lo perdería, y me organicé para acudir, aún a pesar de las noticias que aparecían en prensa que no auguraban una muy buena edición.

Las noticias de los meses anteriores, en las que se anunciaba la posible ausencia de algunas importantes galerías internacionales no achantaron mi deseo de acudir y conocer qué es una feria de arte como ARCO. En realidad, más que acudir a ver interesantes obras de arte contemporáneo, que también, mi principal motivación era ver cómo se organizaba una feria de esas características (aunque únicamente fuera haciendo un análisis desde el papel de espectador), qué se movía y cómo operaban los diferentes agentes allí presentes. Me organicé el viaje de manera que acudí a la feria el primer día de apertura al público, un viernes; he aquí un pequeño repaso de aquellos aspectos a destacar.

Los pasillos: un punto de encuentro

Una feria siempre es una oportunidad para que los diferentes profesionales puedan encontrarse personalmente, compartir experiencias e intercambiar pareceres. Entre los pasillos que separan los stands de las diferentes galerías, artistas se encuentran, charlan y se invitan recíprocamente a visitar las obras expuestas por sus representantes comerciales; igualmente, galeristas y artistas entran en contacto, en muchas ocasiones, para pretender iniciar una relación de representación, que siempre es más sencillo en el trato personal, o simplemente para comentar la situación del sector; el público puede encontrarse compartiendo visión con artistas, aunque en este sentido es mucho más difícil el reconocimiento dadas las características de anonimato de la inmensa mayoría de los artistas visuales; y un visitante a la feria puede manifestar inquietudes a los galeristas que le asesorarán en la compra de obra.

Y, de vez en cuando, puedes encontrarte con políticos haciéndose reportajes en la feria, para manifestar su decidida apuesta por el arte contemporáneo, deportistas venidos a menos o personajes de los medios dispuestos a intentar crearse una fama de raigambre intelectual.

Los stands: donde todo se mueve

Sin lugar a dudas, son los stands los verdaderos protagonistas de la feria. Allí, las galerías que han decidido acudir a ARCO, a cambio de la tarifa correspondiente, exponen obras que consideran un reclamo de los principales artistas que representan. No hemos de olvidar que es una feria comercial, en la que el principal objetivo es vender obra artística. A los stands se tiene libre acceso, a diferencia de la gran mayoría de instalaciones de galerías de arte, en el que el libre acceso se encuentra mediatizado. En la feria puede verse obra de algunos de los artistas que tiene el galerista en su cartera de representación.

Generalmente las obras están expuestas haciendo referencia al autor, pero sin indicación expresa del precio de venta; en el caso de estar interesados en una obra concreta, hemos de dirigirnos a cualquiera de las personas del stand para que, listado en mano, nos indique el precio de esa obra y, a partir de ahí, podamos intentar una negociación. Los galeristas suelen llevar, aparte de las obras expuestas, los catálogos en papel con toda la obra que tienen disponible de sus artistas; de esta forma, pueden ofrecer otras obras aparte de las expuestas en el caso de que ya no estén disponibles. Y, en ocasiones, al lado de la obra podemos encontrarnos con unos puntos de color (básicamente rojo o verde) que indican que la obra ya está vendida o que se han interesado en firme por su adquisición, respectivamente.

Normalmente en el stand suele estar presente el galerista, propietario o director de la galería, que es quien conoce a la perfección la obra de sus artistas y quien mejor puede aconsejar al coleccionista o comprador sobre lo que tiene disponible o no. Si se tiene suerte y el galerista no está demasiado cansado, se pueden mantener interesantes conversaciones sobre artistas y tendencias.

El catálogo oficial: para toda la vida

En la feria se ofrece a la venta un catálogo oficial en el que aparecen reflejadas todas y cada una de las galerías participantes. Aunque no tiene un precio muy asequible, dependiendo del perfil del visitante puede resultar interesante adquirirlo; eso sí, teniendo muy claro cuáles son los contenidos del mismo.

El catálogo presenta, además de los créditos y los textos de presentación de rigor (tanto de las instituciones como de la organización), una ficha individual por cada galería que participa en la feria. Estas fichas ofrecen al lector el nombre y datos de contacto de la galería, el nombre de su director, los artistas que presentan a la feria, y los nombres de los artistas representados habitualmente por este galerista. Generalmente estas fichas van acompañadas de una o dos fotografías de las obras más representativas de su participación en la feria.

El grueso volumen permite, entre otras cosas, identificar artistas y ubicarlos dentro del sector, permitiendo conocer en todo momento en qué galerías podremos encontrar su obra; esto se entiende rápidamente si no perdemos la perspectiva de que su objetivo es el de facilitar la compra-venta.

Las actividades: dime quién eres y te diré dónde vas

Pero no todo en la feria es la venta. Aunque es su principal cometido, ARCO también es consciente de su papel dinamizador del arte contemporáneo y, por ello, organiza toda una serie de actividades paralelas a la propia feria. En este apartado, me tomo la libertad de reproducir íntegramente los textos que aparecen en el programa oficial de la feria, ya que entiendo que así quedan más claros los objetivos de cada una de las actividades.

Programa general: está abierto a galerías internacionales cuya obra abarca las vanguardias históricas, clásicos contemporáneos y arte actual. Galerías procedentes de unos 25 países expondrán pintura, escultura, instalaciones, fotografía, vídeo, new media, dibujo y grabado.
ARCO40: sección destinada a complementar y enriquecer la Feria con la presencia de galerías que aporten una nueva visión de la práctica contemporánea, mostrando un máximo de tres artistas realizada en los tres últimos años.
Panorama: Los Ángeles: selección de galerías y artistas que mostrarán el panorama actual del arte contemporáneo en Los Ángeles.
Solo Projects: proyectos de un solo artista, la mayoría creados específicamente para la ocasión, previamente seleccionados por un equipo de comisarios internacionales designados por ARCOMadrid.
Expanded Box: esta sección apuesta por las tendencias más actuales que exploran las influencias y usos de las tecnologías en las artes. Los proyectos artísticos son presentados por galerías y seleccionados por un comisario, dando cabida a las manifestaciones que requieren espacios no convencionales de exposición y apoyando su posicionamiento en el mercado.
Cinema: sección destinada al video que presenta obras en tres formatos: instalación, programación de vídeos en bucle en un auditorio y vídeos monocanal en pantallas individuales.
Performing ARCO: sección dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales que propongan obras en vivo (performances).
ARCO Instituciones: espacio destinado a promover y apoyar la difusión de aquellas entidades públicas y privadas implicadas en el hecho artístico a través de la creación de colecciones de arte contemporáneo, espacios expositivos y que ofrezcan un apoyo destacado a la creación contemporánea.
Editoras: sección integrada en la feria con una zona diferenciada en la que se presentan prestigiosas editoriales y librerías de todo el mundo especializadas en arte contemporáneo.
Revistas: sección de la feria con la presencia de un número limitado de prestigiosas revistas de todo el mundo especializadas en arte contemporáneo.
Foro de expertos: se trata de un conjunto de mesas de debate sobre temas específicos con la participación de artistas, marchantes, directores de museos y colecciones, críticos e historiadores y entrada libre.

Estas actividades, cuyo acceso es libre a todos aquellos visitantes a la feria, se complementan con un programa VIP de actividades, dirigido a coleccionistas, compradores y personalidades del arte. Estas personalidades, que también cuentan con un exclusivo espacio privado de descanso y recreo dentro de la feria, cuentan con un conjunto de actividades que incluyen la visita privada a museos y salas de exposiciones de la ciudad de Madrid, pero también presentaciones y reuniones exclusivas.

De vuelta a casa

La valoración final que hago de la visita a la Feria ARCO es positiva. Sin entrar a valorar la calidad artística de las obras expuestas, de lo que me siento completamente incapaz, el agotamiento físico que supone pasar un día en un espacio de esas características, caminando y viendo constantemente obras artísticas de stand en stand vale la pena. Primero, por las obras en sí; y segundo porque permite entrar a valorar los mecanismos que operan en la compra-venta de arte en un sistema como el de la feria. Siempre con los cinco sentidos alerta, una visita semejante permite aprender algo de un mundo que se muestra generalmente hermético. Volveré en futuras ocasiones siempre que tenga oportunidad; e igualmente, recomendaría su visita a todo aquel gestor cultural, tanto si está interesado en el arte contemporáneo como si no; no sabemos si en algún momento de nuestra vida profesional nos tocará lidiar con una actividad de similares características.

La proximidad en la gestión cultural

2010-02-14T18:30:00.003+01:00

Uno de los principales elementos a tener en cuenta en la gestión cultural territorial (aquella que se centra en un territorio y no en un sector específico) es la proximidad al usuario.

Efectivamente, siempre se ha afirmado que es la administración local la que más actúa sobre el sector cultural (y los presupuestos en materia de difusión cultural así lo muestran), por ser la administración más cercana al ciudadano y, por tanto, la que es más consciente de sus necesidades y demandas. Y esta proximidad, en los pequeños municipios, se ha visto materializada en centros culturales polivalentes, que pueden ejercer de verdaderos motores y catalizadores de la vida cultural local.

Esta proximidad se vuelve más compleja en ciudades de mediano y gran tamaño, en las que las dimensiones territoriales y demográficas demandan la presencia de más de un centro ya que, en caso contrario, ese único existente se convierte en un contenedor de difusión cultural, pero con poca (o ninguna) conexión directa con el ciudadano. En este sentido, no son pocas las experiencias de redes de centros culturales de proximidad o de barrio repartidos por toda la geografía del municipio, de manera que se materializa la existencia de centros culturales céntricos o nucleares (generalmente especializado en algún sector cultural) y, a su vez, centros culturales de proximidad, con identificación a barrios concretos, que trabajan con una mayor polivalencia de funciones y actividades.

Una política cultural de proximidad debe pretender acercar la cultura a toda la ciudadanía, desde el punto de vista geográfico, pero también sociocultural y demográfico, y debe conseguir implicar a esa ciudadanía en la cultura producida y difundida en ella. Desde otro punto de vista, una política cultural de proximidad debe ser capaz de llevar la cultura a todos los barrios de la localidad y de dar centralidad cultural a las zonas periféricas. Y este tipo de política debe manifestarse con la creación de un tejido importante de centros de proximidad que, a su vez y de manera independiente, deberían cumplir algunos (si no todos) de estos requisitos:

De titularidad pública.
Con cierto grado de polivalencia en sus espacios.
Ubicado en un ámbito de influencia limitado dentro del municipio.
Que presten servicios con cierto nivel de integración a los ciudadanos.
Con una programación educativa, cultural, social, de atención al ciudadano o de participación ciudadana.

Una red de centros de proximidad activos y con una buena programación puede ayudar al aumento de la calidad de vida en tanto que favorece la satisfacción de las necesidades culturales de los ciudadanos. En este sentido, la programación de estos centros debería abarcar:

Creación: los ciudadanos han de ver el centro como un cauce para favorecer sus inquietudes de creación cultural, ya sea amateur o profesional, especialmente en los sectores de población más joven.
Difusión: un centro contenedor de iniciativas propias o ajenas dispuestas a ser ofrecidas al público, en algunos casos como primera aproximación a las manifestaciones culturales.
Educación: la incorporación de actividades didácticas y talleres artísticos a la programación habitual puede convertir al centro en una oportunidad para la educación no formal de los ciudadanos.
Cohesión social: un centro de estas características puede permitir al fortalecimiento del tejido social en tanto que espacio contenedor de propuestas de colectivos y asociaciones locales, siempre dentro de las líneas de programación marcadas por la dirección del centro.
Participación: la proximidad al ciudadano que permite este tipo de centros culturales favorece la interacción con las demandas culturales de los vecinos y su participación en la programación cultural.

La creación de una red de centros culturales periféricos dentro del marco de una política cultural de proximidad puede favorecer el desarrollo cultural local desde todos los puntos de vista, permitiendo una dinamización de la vida cultural de la localidad y del tejido social existente, así como de motor y catalizador de posibles propuestas artísticas y culturales estables.

La proximidad se convierte, por tanto, en uno de los ejes principales de acción en la gestión cultural, muy ligada a la participación y el desarrollo de públicos, y en una verdadera oportunidad para el desarrollo local de nuestros municipios.

Conclusiones del Congreso Internacional de la Gestión Cultural en el Marco Europeo

2010-01-31T15:04:00.005+01:00

Hace unos meses, en octubre de 2009, hacía una reseña sobre la organización del Congreso que la Federación Estatal de Asociaciones de Gestores Culturales estaba organizando en la ciudad andaluza de El Ejido, para debatir sobre la profesión de la gestión cultural en el marco europeo. Hace unos días, la secretaría técnica del congreso iniciaba una serie de acciones para difundir públicamente las conclusiones de aquella reunión. Considero interesante esa difusión y, por ello, me tomo la libertad de publicar aquí ese documento, contribuyendo de manera modesta al conocimiento del texto:

CONCLUSIONES

Congreso Internacional de la Gestión Cultural en el Marco Europeo

En los días 5, 6 y 7 de noviembre de 2009, la Federación Estatal de Asociaciones de Gestores Culturales-FEAGC, se planteó dar un salto cuantitativo y cualitativo para el sector profesional de la cultura en España y en Europa. El Congreso Internacional de la Gestión Cultural en el Marco Europeo, que tuvo lugar en El Ejido (Almería) y que culminó el proceso iniciado en el Congreso de Toledo, significó sobre todo la puesta en marcha, por parte del sector, de nuevas propuestas para la política y la gestión culturales en el siglo XXI.

El Comité Científico, tras leer las actas de los relatores que integraron el conjunto de paneles sectoriales, presenta las siguientes conclusiones del Congreso:

La importancia creciente e insoslayable de las nuevas tecnologías en los procesos de producción y comunicación cultural.
La importancia que los organismos vinculados a Educación tienen respecto a la democratización de la cultura, es decir, al acceso público de la ciudadanía a los bienes culturales.
La importancia que tiene para la regulación laboral y empresarial del sector desarrollar la triple alianza de la cultura: entre poderes públicos y profesionales de la cultura, entre creadores y gestores culturales, y en
El sector de las Artes Escénicas y de la Música emplazan a los organismos estatales a que desarrollen una Ley de las Artes Escénicas y una Ley de la Música, con carácter integral y transversal.
El sector de las Artes Emergentes y Multidisciplinares subrayan el papel de los medios tecnológicos como elementos democratizadores de la cultura, advirtiendo, no obstante, de los excesos en las normativas de control interno de dichos medios.
Los derechos culturales y la gestión cultural encuentran un marco para la defensa de la diversidad en nuevos documentos, tales como la Carta Cultural Iberoamericana.
Los derechos de autor requieren un tratamiento razonable que contribuya a esclarecer la conflictividad existente actualmente entre las sociedades de gestión de dichos derechos y el uso que se hace de las obras por parte de creadores y gestores culturales. Ello implica el reconocimiento, además, de otras vías para el uso de los derechos de autor (copyleft, creative commons, etc.).
El sector del Cine y Audiovisual demanda una mayor coordinación entre los distintos niveles administrativos de los poderes públicos, así como una adaptación urgente a las nuevas teconologías (digitalización, Cine 3d, etc.) y la clarificación de los derechos de autor.
El sector de la gestión del patrimonio destaca la importancia del patrimonio para la identidad cultural de pueblos y comunidades en todo el mundo, señalando especialmente la vulnerabilidad del patrimonio inmaterial frente a la globalización y sus peligros derivados de la marginalización, banalización y pérdida de sentido.
El sector de las Artes Plásticas y Visuales reconoce la urgencia por reformular las relaciones del público con las salas de exposiciones, abundando en la participación interactiva; al mismo tiempo, ve en los espacios públicos la posibilidad de crear nuevos modos de exposición y venta de la obra de los artistas.
El sector de Bibliotecas y Archivos propugna la necesidad de convertir los centros en puntos de difusión y promoción cultural y apela, en este sentido, a la condición de sus profesionales como gestores culturales.
El sector del Libro y Animación a la Lectura señalan los procesos de (de-)(re-) construcción a que abocan las nuevas tecnologías como el e-book, Internet y los nuevos sistemas de producción editorial, lo que implica una reinvención de este sector industrial.
La gestión cultural se halla en un proceso de globalización que está dando lugar a los primeros pasos hacia un movimiento asociativo internacional, con actores relevantes de Iberoamérica, Europa y el Mediterráneo.
En el ámbito de la Cooperación Internacional se subraya la necesidad de una capacitación técnica y de calidad del gestor cultural como profesional que hibride la cooperación al desarrollo desde la gestión de la diversidad.
En el sector de Museos, Centros de Arte y Mediatecas se proclama que el reto está en incorporar a los procesos y sistemáticas de trabajo existentes esos nuevos procesos que le permitan acercarse a una nueva realidad, en la que el individuo exige desarrollar un papel diferente al pasivo que ha tenido hasta ahora respecto a la institución museística.
En el ámbito formativo, el sector profesional de la cultura considera la oportunidad que supone el EEES, de cara a la regulación académica universitaria de la Gestión Cultural en cualquiera de sus tramos.
En el ámbito de las industrias culturales se destaca la importancia del valor de la “cultura” como el instrumento tractor del cambio de modelo económico productivo, desde un modelo tradicional de producción de conocimiento basado en la investigación a un modelo emergente, protagonizado por el capital emprendedor y transdisciplinar, dinamizado por estructuras en red. Este modelo, creativo e innovador, requiere de una gestión de los intangibles desde las emociones y de un desarrollo de las capacidades emprendedoras desde la creatividad cultural.

El sector profesional de la cultura está maduro para abordar con rigor y con intensidad los retos inmediatos que tenemos en estos momentos: la implantación de una formación universitaria reglada en gestión cultural, la regulación laboral y empresarial de la gestión cultural, y la contribución de la gestión cultural a una sociedad mejor basada en un desarrollo sostenible y en el máximo apoyo a la libertad creativa y a la diversidad cultural.

Todo ello queremos hacerlo en un marco geopolítico concreto: la Unión Europea. Ahora se está trabajando la Agenda europea de la cultura en un mundo en vías de globalización, poniendo el énfasis en la cultura como instrumento estratégico para resolver conflictos y cohesionar la sociedad, en el impulso a la diversidad cultural y a las industrias culturales, y en la contribución de las organizaciones profesionales de la cultura. La Federación de Asociaciones de Gestores Culturales debe emplazarse en los trabajos de esta Agenda y lanzar propuestas innovadoras que remuevan el tejido social, económico e institucional de la cultura.

Fuente: Secretaría Técnica del Congreso Internacional de la Gestión Cultural en el Marco Europeo. 21 de enero de 2010.

Cambio de modelo en el Circuit Teatral Valencià

2010-01-23T19:44:00.017+01:00

Hace unos días, los periódicos valencianos anunciaban que el Circuito Teatral Valenciano “echaba el cierre” a raíz de la decisión del gobierno valenciano de imponer un cambio en su funcionamiento.

Este cambio, que pasa de un sistema de cogestión directa a un sistema de subvenciones, da por finalizada una etapa de desarrollo teatral en los municipios valencianos, basada en la participación del ayuntamiento y la administración autonómica, con una importante participación de los profesionales de la gestión cultural.

El Circuit Teatral Valencià surgió en 1988 como una demanda profesional, que aceptó la administración autonómica y reguló por Orden de 17 de febrero de 1995 (DOGV nº 2461, de 2 de marzo de 1995). En este sentido, el Circuito Teatral Valenciano se creó “como instrumento de coordinación y colaboración entre Teatres de la Generalitat Valenciana y los municipios, agrupaciones de municipios y otras entidades públicas y privadas que se integren en el mismo, con el fin de optimizar los recursos disponibles y procurar una programación estable, diversificada y de calidad en el sector de las artes escénicas en los municipios de la Comunidad Valenciana”.

Los fines que se planteaba la regulación del Circuit eran:

Potenciar la cooperación y colaboración.
Facilitar la distribución y exhibición de las producciones de teatro y danza, especialmente las realizadas por compañías valencianas.
Optimizar los recursos infraestructurales, económicos y humanos.
Abrir canales de comunicación y colaboración entre los diferentes agentes (creadores, productores, distribuidores y gestores culturales).
Proporcionar espacios de formación y reciclaje profesional.

La creación del Circuit Teatral Valencià supuso un importante hito para el desarrollo escénico valenciano y un elemento impulsor para la profesión del gestor cultural. Brevemente, trataremos de analizar el funcionamiento del Circuit y cómo ese sistema influye en tres ámbitos diferenciados: la programación, el desarrollo profesional y el aspecto económico.

La programación.
Dos de los requisitos para formar parte del Circuit es que el municipio debe disponer de un teatro o sala adecuada para las representaciones teatrales o de danza y que debe realizar una programación estable a lo largo de los meses de septiembre a junio. La obligatoriedad de la programación estable acababa con las representaciones únicamente en períodos vacacionales y permitía a los ciudadanos disponer de un referente en el propio municipio para disfrutar de las representaciones escénicas. Además, otro requisito obligaba a que la programación debía incluir, como mínimo, diez compañías profesionales, de las cuales al menos seis debían ser valencianas; esto contribuía a una normalización de la realidad escénica y aseguraba espectáculos de calidad en todos los municipios integrantes del Circuit.
Los gestores culturales de los municipios realizaban la programación teatral de acuerdo a una oferta cerrada de compañías, obras y cachés seleccionada por la asamblea de Teatres; programando compañías ahí incluidas, el municipio recibía una ayuda económica.

Desarrollo profesional y del sector.
Los mismos requisitos indicados anteriormente sirvieron como un acicate para el desarrollo del sector escénico profesional valenciano, colaborando sin duda a la profesionalización de diferentes proyectos artísticos de la Comunitat Valenciana y a la estabilización de sus producciones. Al garantizar un mínimo de actuaciones, los grupos teatrales podían asumir los retos de la normalización empresarial.
Por otro lado, el sistema desarrollado con la creación del Circuit Teatral Valencià potenció la figura profesional del gestor cultural. Como un requisito más para los municipios que quisieran integrarse en el circuito se encontraba la necesidad de contar con un gestor cultural profesional que realizara las labores de programación de la sala, independientemente de que tuviera responsabilidades de gestión en otros sectores, con lo que se ayudaba a la estabilización de estos profesionales que, en algunos casos, vivían una situación profesional de cierta inestabilidad. Además, los gestores culturales de estos municipios participaban activamente del desarrollo del Circuito en tanto que formaban parte de la selección de obras, y se relacionaban de manera activa con otros profesionales en diferentes reuniones periódicas de coordinación y programación.

Aspectos económicos.
El modelo del Circuit Teatral Valencià regulado en 1995 ofrecía aspectos económicos singulares. La administración autonómica organizaba los diferentes municipios según unas “fichas municipales” en las que se determinaba la aportación económica que Teatres de la Generalitat destinaría a cada una de las poblaciones. Los municipios se comprometían a invertir en la programación, al menos, la misma cantidad de dinero que aportaba Teatres en cada caso particular. El pago de cada actuación se realizaba al 50% por parte del municipio en el momento de la representación; el 50% restante lo abonaba Teatres de la Generalitat previa presentación de la factura y un certificado emitido por el municipio que acreditara la efectiva realización de la actuación.
Los gastos derivados del Circuit Teatral venían reflejados en el capítulo 2 de los presupuestos de la Conselleria de Cultura, el de gastos corrientes, entendiendo que todas las actividades del Circuit suponían una actividad de gestión directa en colaboración con las diferentes administraciones locales.

Algunos problemas del modelo.
Este modelo, que técnicamente ofrecía muchas ventajas y un sistema de coparticipación a todos los niveles, ha sido criticado por algunas voces en algunos aspectos. Tal vez el más importante era el hecho de acusar a los municipios integrantes (y a los profesionales que los representan) de actuar como un grupo de presión frente a la Conselleria de Cultura y evitar que los estamentos políticos pudieran controlar el Circuit Teatral; igualmente, se ha acusado en ocasiones de no permitir la entrada de nuevos miembros al circuito. Estas acusaciones se han respondido, desde diversos sectores, argumentando que el sistema era un sistema nacido desde el ámbito profesional y los municipios, y que la administración autonómica había aceptado como propio cuando ya el sistema estaba funcionando y, por otra parte, que si no se aumentaba el número de municipios miembros era porque la aportación económica de Teatres de la Generalitat Valenciana tampoco aumentaba, y los municipios participantes no estaban dispuestos a ver menguar su disponibilidad económica.

Hacia un cambio estructural y de funcionamiento.
Como decíamos al principio, desde la Conselleria de Cultura de la Generalitat Valenciana se anunciaba hace unos días la modificación en el Circuito Teatral, que los sectores técnicos y profesionales han bautizado como la muerte del mismo. He aquí algunos datos de la conversión del modelo que han venido adelantándose:

El 11 de enero se anunciaba por fax, a cada uno de los gestores municipales que forman parte del Circuit, el cambio de sistema para 2010 que entraría en vigor desde el 1 de enero de 2010 aún cuando la orden se encuentra aún en proceso de redacción.
Los programadores deberán realizar su programación anual sin saber con qué aportación económica de Teatres dispondrán. Harán una programación que, posteriormente, una comisión reunida al efecto valorará determinando la cantidad económica que, a su juicio, corresponda financiar.
La cantidad que asuma Teatres dejará de corresponder al capítulo 2 (gastos corrientes) del presupuesto de la Conselleria y se asimilará al capítulo 4 (transferencias de capital - subvenciones). Es decir, pasa de concebirse como una coparticipación de gestión entre Teatres y los diferentes municipios para entenderse como una subvención a una actividad de cada uno de los municipios que reciban la ayuda.
Los municipios tendrán que asumir el 100% del coste de la programación; posteriormente, una vez convocada la orden de subvenciones, recibirán la aportación económica de Teatres, que no conocerán hasta ese momento.
La subvención se abrirá a la totalidad de municipios de la Comunitat Valenciana que cumplan una serie de requisitos, que se dice serán los mismos que hasta ahora, en vez de a los 63 municipios que son miembros del Circuit actualmente.
Se amplía el cupo de contrataciones obligatorias a compañías valencianas, del 60% al 80%.
En este nuevo modelo no se anunciado si se garantiza la existencia del sistema asambleario y de participación de los gestores culturales municipales en la selección de obras y compañías, aunque las fuentes de la Conselleria de Cultura afirman no plantear un cambio en este sentido.

Inestabilidad e incertidumbre.
La noticia del cambio en el Circuito Teatral Valenciano ha originado un clima de total incertidumbre en el sector escénico. Los municipios han comenzado a cancelar actuaciones de las compañías por no saber si podrán hacer frente a sus cachés; las compañías comienzan a preocuparse ante una posible ausencia de contrataciones y la imposibilidad de hacer frente a sus inversiones; los técnicos culturales lamentan una situación que, a su juicio, puede anular todos los esfuerzos realizados durante años por crear unas audiencias y unas programaciones estables y de calidad; y los sectores profesionales (gestores, compañías de teatro y danza, productores, autores y actores) y demás agentes implicados se preocupan por la decisión unilateral de los responsables políticos que, ante todo, consideran que podría haberse realizado de una forma consensuada con todos ellos.

A espera de la orden que regule y establezca las bases de este nuevo modelo de Circuito Valenciano de Teatro y Danza, la incertidumbre que ha provocado en el sector y en las programaciones culturales de los municipios valencianos no es nada deseable. El tiempo pondrá las cosas en su sitio, y deberemos estar vigilantes de las consecuencias de este nuevo modelo propuesto. Lo que sí es cierto es que existirá un antes y un después. Esperemos que, al menos, los avances conseguidos hasta el momento durante estas dos décadas no caigan en saco roto, tanto a nivel profesional de la gestión cultural como en el sector escénico valenciano.

Algunas referencias:

"El Circuit Teatral echa el cierre". Las Provincias, 14 de enero de 2010.

"Los programadores y las compañías se levantan contra la política de Teatres". Levante-EMV, 15 de enero de 2010.

"Los grupos de teatro retocan su discurso y exigen a Miró que oiga a los programadores". Levante-EMV, 19 de enero de 2010.

"El nuevo modelo de Circuit Teatral deja en el aire las programaciones". El País, 21 de enero de 2010.

"El teatro valenciano está en fase terminal y se impone un cambio urgente de ciclo". Levante-EMV, 21 de enero de 2010.

Jóvenes pero alcanzables

2010-01-10T13:04:00.009+01:00

Con ese título, la Fundación Autor editaba en 2006 un libro sobre técnicas de marketing para acercar los jóvenes a la cultura. Uno de los grandes retos que sigue teniendo la gestión cultural hoy en día es acercar nuestros productos o servicios a los ciudadanos en un contexto en que, cada vez, las ofertas de ocio son más abundantes y competitivas. Y, dentro de este reto, la población más joven, especialmente el tramo de edad entre los 15 y los 25 años que son lo que trata el libro, se convierten en un segmento difícil de alcanzar, en tanto que en muchas ocasiones se trata del primer acercamiento consciente y deliberado a la cultura.

En España, los jóvenes de 15 a 25 años suponen el 12% de la población, y suman aproximadamente 5,4 millones de personas; se trata de un grupo muy numeroso con pocas cosas en común aparte de su edad: gustos, aficiones, hábitos, referencias y lenguajes. En este segmento de población, más que en los adultos, juega un papel esencial el elemento social a la hora de acudir a actividades de carácter cultural; es decir, en muy pocas ocasiones los jóvenes acudirán de manera individual a un servicio cultural (más allá, claro está, de los productos culturales de marcado carácter tecnológico).

En el libro, su autor Franky Devos, director general del Centro Cultural BUDA de Kortrijk (Flandes, Bélgica), nos ofrece, en un lenguaje cercano, directo, accesible y muy en línea con el público joven, algunas ideas y recomendaciones para afrontar las estrategias de marketing dirigidas al público juvenil, así como algunas afirmaciones que, a priori, pueden resultar sorprendentes.

Es de destacar que en el público adolescente es de vital importancia la existencia de elementos referenciales, que son los que, en gran medida, determinan sus gustos. Básicamente, estas referencias son los amigos, los padres y el colegio; es importante identificar y utilizar estos elementos para poder acercarnos a ellos.

El trabajo ofrece algunas reglas básicas; por citar algunas, y a modo de referencia, destacaremos las siguientes, tal y como el propio autor las nombra en su libro:

No busques el rollo de una noche.

Pon a los jóvenes al volante.

Cuidado con las imitaciones.

Todo el mundo VIP.

No les sobreestimes.

El libro está repleto de experiencias exitosas o innovadoras llevadas a cabo por centros culturales de diferentes países, y aporta ideas también sobre horarios, precios, reservas de entradas, accesibilidad, ambiente o personal del equipamiento.

Por último, se abordan aspectos de comunicación gráfica, presencia en los medios tecnológicos de la información y la comunicación y la evaluación de la campaña de marketing para jóvenes.

Jóvenes pero alcanzables. Técnicas de marketing para acercar la cultura a los jóvenes es un libro ameno, directo y muy provechoso para acercar los productos y servicios culturales a los jóvenes, a aquellos que en ocasiones olvidamos o dejamos de lado por pensar que son inalcanzables o que no les interesa nuestra oferta. Este libro, ilustrado con múltiples dibujos de estudiantes españoles de Bachillerato, ofrece muchas ideas y referencias de buenas prácticas para ilusionar al gestor cultural en esa tarea de acercarse al público joven; ahora ya no tenemos excusas, tratemos de poner en práctica las ideas de Franky Devos; es, cuanto menos, sugerente.

Referencia bibliográfica:

Devos, Franky (2006): Jóvenes pero alcanzables. Técnicas de marketing para acercar la cultura a los jóvenes. Fundación Autor, Madrid, 2006. 139 págs.

Ferias de arte contemporáneo

2009-12-20T15:17:00.016+01:00

Las ferias suponen, junto a las galerías, el mercado primario para el arte contemporáneo. En estas ferias, los coleccionistas y galeristas disponen de un punto en común para ver y exhibir las obras de los artistas que representan las galerías que, de diferente procedencia geográfica, están presente durante los días de celebración de la feria.

La primera feria de arte completamente contemporáneo se celebró en 1967, en la ciudad de Colonia, al reunirse 18 galerías de vanguardia siguiendo el modelo de las ferias de anticuarios, pero con una marcada vocación internacional. La feria recibiría el nombre de ART Cologne. A partir de ahí, diferentes avatares dieron origen a la creación de diversas ferias de arte, que se celebraban incluso en el mismo país.

Así, actualmente, se ha originado un completo calendario de ferias que se reparte por diferentes capitales a lo largo de todo el año. Así, Angela Vettese establecía el siguiente calendario:

Enero: Bolonia.
Febrero: Madrid.
Marzo: Estocolmo.
Abril: Londres y Frankfurt.
Mayo: Chicago y Amsterdam.
Junio: Basilea.
Julio: Niza.
Octubre: Berlín y París.
Noviembre: Turín y Colonia.
Diciembre: Los Ángeles.

Este calendario, que no está completo, permite hacerse una idea de la importancia que se les ha dado a estas muestras-mercado como dinamizadores de la compra-venta de arte contemporáneo en diferentes países y realidades nacionales; en especial en momento de bonanza económica para el sector.

Las ferias de arte pueden entenderse bien como un encuentro entre unos pocos elegidos o como una muestra-mercado abierta. En este sentido, las ferias suponen un encuentro comercial, pero también una ventana abierta a la realidad artística internacional del momento, con muchos visitantes no coleccionistas que acuden para descubrir las tendencias artísticas.

Pero, ¿qué aporta este tipo de eventos para el mercado del arte? Algunas de las ventajas que se enuncian a la hora de valorar la inversión que supone la participación en las ferias son las siguientes:

Para el galerista:

Probar la capacidad de "exportabilidad" de un artista emergente en el ámbito nacional.
Aumentar la propia lista de "mailing" de coleccionistas que podrían estar interesado en sus artistas.
Descubrimiento de nuevos artistas de otros países.
Intercambios con otras galerías.
Posibilidad de cosechar una gran publicidad.
Contactos profesionales.

Para el coleccionista:

Es dificil ser víctima de estafas, ya que los organizadores de las ferias se hacen parcialmente responsables y se toman muchas molestias en asegurarse la calidad de las obras expuestas.
En un sólo día se puede conocer lo mejor que ofrece el mercado, cuáles son los artistas emergentes o infravalorados y el sentido en el que se están produciendo las adquisiciones.
Permite el descubrimiento de nuevas galerías.
Se facilita una relación de compra-venta más libre que en el dirigismo de las galerías, sustituyendo las discusiones tranquilas de la galería por una experiencia similar a la de un centro comercial.

En la actualidad, según Don Thompson, cuatro son las principales ferias de arte contemporáneo a nivel mundial, y las que imprimen al sector de su mayor procedencia y valor, a partir del prestigio que han ido adquiriendo estos eventos. Éstas son la TEFAF, European Fine Art Foundation Fair, conocida como "Maastricht", que se celebra en marzo; Art Basel, en junio; Art Basel Miami Beach, diciembre; y London's Frieze, que tiene lugar en la ciudad inglesa en octubre. A estas hay que sumarle un centenar de ferias internacionales menores, entre las que figura la madrileña ARCO.

Actualmente, y a pocos meses de la apertura de ARCO, Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, se ha manifestado que la crisis internacional ha afectado también al sector artístico y, en especial, sus ferias. En el caso de ARCO, parece que será menor el número de galeristas, con algunas ausencias notables, en lo que se ha definido como una crisis de identidad que ha permitido la pérdida de galeristas y coleccionistas. No obstante, la celebración de esta feria, con Los Ángeles como ciudad invitada, será una nueva oportunidad de valorar la realidad del mercado artístico y de la dinamización de los autores contemporáneos.

Referencias bibliográficas:

Thompson, Don (2009): El tiburón de doce millones de dólares. La curiosa economía del arte contemporáneo y las casas de subastas. Ed. Ariel, Barcelona.

Vettese, Angela (2002): Invertir en arte. Producción, promoción y mercado del arte contemporáneo. Ed. Pirámide, Madrid.

Portal Iberoamericano de Gestión Cultural

2009-12-05T21:41:00.002+01:00

Este viernes (4 de diciembre) recibí un mensaje de Facebook en el que se me indicaba que Melba G. Claudio-González, coordinadora general del Portal Iberoamericano de Gestión Cultural, se retiraba del equipo responsable del proyecto para afrontar un nuevo reto profesional. Aunque ya tenía pensado hacer algún día una breve reseña sobre este proyecto, este acontecimiento me ha hecho adelantarlo en justícia a estos años de, a mi juicio, buen hacer en la coordinación del mismo.

El Portal Iberoamericano de Gestión Cultural se define como un "sistema especializado de información, difusión y reflexión cultural accesible a través de internet", en lo que constituye una gran base de datos profesional "pretende localizar, enumerar, describir, promover y difundir referencias, datos, documentación y otras informaciones sobre instituciones, equipamientos, servicios, recursos, programas y proyectos, así como todos aquellos otros elementos al servicio de la construcción y desarrollo del espacio cultural iberoamericano".

A mi juicio, y ya desde el principio, este proyecto presenta tres aspectos fundamentales a destacar:

Recopila una serie de recursos profesionales para la gestión cultural que permite a cualquier profesional estar en contacto con lo que se realiza en diferentes ámbitos geográficos del ámbito iberoamericano en cuestión cultural.
Amplia el ámbito más cercano para ubicarse en un contexto iberoamericano, entendiendo que, en materia de gestión cultural, las relaciones entre España e Iberoamérica son naturales y normalizadas; no en vano, no son pocos los técnicos culturales de países iberoamericanos que se han formado en programas de postgrado españoles, especialmente de la Universitat de Barcelona.
Utiliza un espacio web en formato de portal para la puesta a disposición de todo ese conjunto de recursos profesionales, que posteriormente se ha ampliado con la utilización de algunos recursos de la web 2.0, como el uso de las redes sociales.

Sin duda, la cantidad de información que maneja este portal le permite ubicarse como una principal referencia documental en gestión cultural. En un primer nivel, un usuario de internet que accediera a la web podría obtener información sobre actualidad, convocatorias de cursos y jornadas, ofertas profesionales, becas, ayudas y subvenciones, y convocatorias para publicar, permitiendo un desarrollo para entidades y profesionales de la cultura.

Pero, viendo más allá, el portal nos permite acceder a una extensa base de datos en la que podemos obtener información sobre profesionales, bibliografía, instituciones, formación, centros de documentación, festivales y proyectos de referencia, entre otros, y a informes que explicitan las políticas culturales de los países del entorno iberoamericano. Sin duda, una amplia colección de recursos profesionales.

Pero este proyecto no se queda únicamente en el portal web. Entre otros aspectos, me gustaría destacar su presencia en la red social Facebook, donde cuenta con 2.227 miembros (aumentando cada día), y cuya actividad permite comprobar el enorme potencial de las redes sociales, en lo que supone de intercambio de información y relación con otros profesionales. Igualmente, el Portal Iberoamericano de Gestión Cultural dispone de un canal en la plataforma Youtube donde se suben con cierta periodicidad entrevistas a operadores y gestores culturales, en lo que supone un conjunto de videos con un amplia carga formativa. Finalmente, es de destacar también el Boletín de Gestión Cultural que, con una periodicidad irregular, publica documentos, información y artículos sobre una temática concreta; sin abandonar el formato electrónico, este boletín ha llegado ya a las 18 ediciones y supone una referencia bibliográfica a tener en cuenta.

Me he dejado muchas cosas sin comentar, pero lo más importante es experimentar la visita al portal. Cualquier profesional de la gestión cultural que lo explore no quedará indiferente. Se trata de un proyecto ambicioso que a lo largo de sus ocho años de existencia ha dado unos muy buenos resultados, lo cual dice mucho del equipo responsable del mismo. Proyectos e iniciativas como ésta permiten, entre otras muchas cosas, la cohesión y la interacción de todos los profesionales de la gestión cultural que estamos dispersos por el mundo, así como la transferencia de conocimiento y la posibilidad de establecer sinergias y colaboraciones entre diferentes ámbitos geográficos.

Se trata, en definitiva, de una oportunidad no perdida.

Acoso moral en las artes escénicas británicas

2009-11-22T09:18:00.002+01:00

El otro día hice una relectura de un artículo de la International Journal of Arts Management que me impactó desde el primer momento en su primera lectura. El texto, firmado por Anne-Marie Quigg en el ejemplar de otoño de 2007, trataba sobre el acoso moral o bullying en el sector de las artes escénicas del Reino Unido, que parece ser un fenómeno no poco corriente y que está aumentando en los últimos tiempos.

Antes que nada, interesa hacer una descripción de lo que se entiende por bullying porque, si bien en el caso español este término se ha utilizado para el acoso ejercido por niños en los colegios, parece ser que en inglés tiene una acepción más general. Así, la autora utiliza la descripción desarrollada en el proyecto de ley del Reino Unido Dignity at Work (1997), que define el bullying como:

comportamiento en más de una ocasión que es ofensivo, abusivo, malicioso, insultante o intimidante;
crítica injustificada en más de una ocasión;
castigo impuesto sin justificación razonable; o
cambios en las funciones o responsabilidades del empleado en su perjuicio sin justificación razonable.

Si tradicionalmente el término bullying se ha centrado en un fuerte elemento de coerción física, mientras que el de mobbing se reservaba para las connotaciones de daño mental y emocional, actualmente el bullying en el puesto de trabajo incluye intimidación no física, a menudo encubierta, entre adultos individuales y, sobre todo, entre empleadores y empleados.

El artículo de Anne-Marie Quigg presenta los datos de un estudio realizado entre 2003 y 2004 a instancias del Broadcasting Entertainment Cinematographic abd Theatre Union (BECTU), que presentaba unos datos ciertamente alarmantes. En los resultados del estudio, en el que intervinieron 249 entrevistados (aproximadamente un 89,6% de los miembros activos de la organización), destacan los siguientes:

dos de cada cinco trabajadores en las artes escénicas se declaró haber sido objetivo de bullying en el puesto de trabajo;
el 65% de los encuestados describió el comportamiento del bullying como frecuente o no infrecuente;
las razones más citadas para este comportamiento fueron el estatus dentro de la organización y las aptitudes, seguidas muy de cerca por la apariencia física y el sexo;
los empleados no directivos, y aquellos que fueron objetivo del bullying, identificaban el hecho de ser bueno en el trabajo como un factor de atracción para el directivo incompetente que ejerce bullying;
la política de las organizaciones artísticas en contra del acoso moral en el trabajo es inconsistente, con una tendencia a tratar únicamente la agresión física;
los efectos de haber sido víctima de acoso, a medio plazo, incluyen el daño psicológico, ansiedad, alteracioens del sueño, atauqes de pánico, baja autoestima y falta de confianza, ocasionando menor eficiencia, absentismo y prácticas laborales perligrosas;

Estos datos, junto con otros muchos detallados en el artículo, hacen a la autora afirmar que, en el Reino Unido, las artes escénicas tienen el mayor nivel de intimidación y acoso laboral de todos los sectores investigados hasta el momento; eso, unido al hecho de que hay una carencia de formación en la gestión de los recursos humanos en los directivos y gestores de teatros y centros artísticos, hace que sea un comportamiento en aumento en las prácticas laborales, lo cual requiere de una llamada de atención y la necesidad de establecer políticas de recursos humanos aplicadas al sector que permitan atajar dichos comportamientos.

Referencia del artículo: Quigg, Anne-Marie (2007): "Bullying in theatres and arts centres in the United Kingdom"; International Journal of Arts Management, volume 10, number 1, fall 2007. HEC Montreal - AIMAC. pp. 52-64

Diario del Congreso de Valencia (y IV)

2009-11-13T20:31:00.004+01:00

Hoy se ha cerrado el Congreso Internacional sobre la Plusvalía Económica de la Cultura, que se ha venido celebrando en Valencia desde el martes.

50 aniversario del Ministerio de Cultura de Francia

Como antesala de la clausura del congreso, Jean Digne (presidente del Museo de Montparnasse) ha hecho un análisis del Ministerio de Cultura francés desde su origen en 1959. Igualmente, ha recordado las figuras clave de los ministros André Malraux (conocido como el ministro de los artistas) y Jack Lang, en un análisis de la política cultural francesa a lo largo de los cincuenta años hasta la actualidad y citando aquellos retos a los que se enfrenta la cultura francesa en el futuro más próximo.

Lectura de Conclusiones del Congreso

Finalmente, José Luis Pinotti (director del SARC) ha dado lectura al texto de conclusiones redactado por el comité científico y que ha contado con aportaciones de los congresistas. A falta de la publicación de este documento, podemos adelantar algunas ideas:

El sector de las industrias culturales es generador de movimientos económicos en todos sus ámbitos. La plusvalía de las industrias culturales afecta a muchos más ámbitos productivos de los que el sector considera como propios.
El sector de la gestión cultural debe iniciar procesos que le distancien de la dependencia económica actual de la administración cultural.
Existe la neesidad de la investigación y el uso de nuevas tecnologías para el crecimiento empresarial de las industrias culturales, con la colaboraicón de las universidades.
Existe la necesidad histórica de una organización profesional implicada con la interlocución de todos los agentes y sectores relacionados con la gestión de la cultura.

Así, este texto finaliza con unas resoluciones, que son las siguientes:

Instar al gobierno estatal ya los gobiernos autonómicos a reconocer la existencia del gestor cultural como demandante de empleo y en las categorías profesionales.
Instar a la Generalitat Valenciana, a sectores profesionales y sectores empresariales para la constitución de un colegio profesional.
Instar a las organizaciones sindicales a incluir a los gestores culturales en sus acciones sindicales.
Instar al SARC a que trabaje en un documento de análisis de la situación actual de la gestión cultural.

Visita a El Puig y fin de las jornadas

Una vez clausurado el congreso, los participantes del mismo hemos tenido ocasión de realizar una visita cultural al municipio del Puig, donde se ha visitado tanto el Monasterio como la ruta de Jaime I. Esta visita formaba parte de las actividades complementarias organizadas dentro del programa del congreso, que se completaron con un concierto de Menestrils d'Ontinyent el martes y de El ball de Sant Vito el miércoles.

Diario del Congreso de Valencia (III)

2009-11-12T23:55:00.005+01:00

Por tercer día consecutivo, el jueves se dieron cita de nuevo los más de 400 asistentes al Congreso Internacional sobre la Plusvalía Económica de la Cultura para reflexionar y debatir en torno a las relaciones entre economía y cultura.

Economía y cultura: una relación

Abría la jornada la ponencia de Chus Cantero, coordinador general de OIKOS (Observatorio Andaluz de Economía de la Cultura) en una intervención en la que hacía una refle´xión en torno a la relación histórica entre ecoomía y cultura. En su intervención ha comentado cómo tradicionalmente siempre ha existido ciertas dicotomías entre ambos conceptos o ámbitos: aquella que entendía la economía como una actividad tangible y la cultura como una actividad intangible; la que enfrentaba a la economía como una esfera orientada por el interés y la necesidad frente a la cultura como un espacio de lo desinteresado; y la dicotomía existente entre entender la economía como un motor de desarrollo frente a la cultura como un elemento que lo impide, si bien esta última opinión fue desmontada pronto con las reuniones que en 1970 dieron lugar a la convención de Venecia de la UNESCO.

Frente a este pensamiento que oponía la economía a la cultura, el economista ha hecho ver cómo la interrelación entre economía y cultura es una interrelación histórica. . No en vano, siempre ha existido una relación entre la cultura y las relaciones económicas, y podría servir como ejemplo la organización teatral griega, o los juegos romanos, en los que existen textos que indican las condiciones económicas de los diferentes elementos. Asimismo, a lo largo de los siglos XIX y XX han existido diferentes publicaciones que han tratado específicamente las relaciones existentes entre economía y arte. Incluso el movimiento de la Bauhaus puede servir de ejemplo de esta relación, en tanto que propugnaba la importancia de la integración de sus obras en el mercado, para que pudiera llegar a todos los ciudadanos. Por tanto, las relaciones entre cultura y economía s han dado siempre.

Chus Cantero finalizaba su intervención citando dos desafíos con los que nos encontramos en la actualidad en esta interrelación:

Independientemente de la crisis o no, los tiempos están cambiando, y tenemos que enfrentarnos a nuevas formas de hacer gestión cultural desde una perspectiva nueva.
Vamos a tener que replantear las cifras y los números de la cultura, empezando por una definición concreta de la cultura y decidir cómo la pondemos medir; para ello, es necesario la conformación de equipos multidisciplinares que incluyan a gestores culturales, pero también a economistas, sociólogos y profesionales provenientes de otras disciplinas.

Experiencias

Entre la oferta de experiencias que se ofrecían en la jornada de hoy en el congreso, he tenido ocasión de asistir a la referida a gestión del turismo cultural, con el caso del municipio asturiano de Taramundi, y la referida al mundo editorial, con la exposición de la editorial Bromera.

Eduardo Lastra, alcalde de Taramundi, ha expuesto cómo se llevó a cabo la reactivación en clave turística del municipio asturiano, de apenas 745 habitantes dispersos geográficamente, a partir de la revalorización de los propios recursos, la cohesión y participación social, la diversificación productiva y la conservación del patrimonio, con unas consecuencia de creación de más de 50 empleos directos y la creación de un ambiente económicamente atractivo capaz de atraer nuevos emprendedores.

Bernat Bataller, director comercial de Edicions Bromera, ha basado su intervención en analizar el modelo empresarial de esta editorial, ubicada en el municipio valenciano de Alzira, que basa su producción en libros escritos en valenciano. Igualmente, ha expuesto las técnicas de comercialización y promoción que desarrolla y ha tenido ocasión de analizar las potencialidades y desafíos que auguran las nuevas tecnologías para la edición.

Presentación de la línea editorial Trébol

Rosa Martí (técnico de cultura del SARC) ha realizado una breve presentación de las diferentes publicaciones que se realizan desde este servicio de cultura, especialmente de aquellas destinadas directamente a los profesionales de la cultura enmarcadas dentro de las colecciones Pirámide y Esfera, dedicadas a tratar aspectos teóricos y de reflexión y metodologías prácticas, respectivamente, de diversas temáticas de la práctica diaria de la gestión cultural.

El impacto económico de la cultura

Luis César Herrero, del Grupo de Investigación Reconocido en Economía de la Cultura de la Universidad de Valladolid, ha citado a Adam Smith y cómo el padre de la economía señalaba que las actividades culturales pertenecían al ámbito del trabajo no productivo, no creaban valor añadido y, por tanto, no eran parte de la riqueza de los países, al igual que los médicos o los juriconsultos, pero que, no obstante, se sorprendía a su vez de las crecidas remuneraciones de estos profesionales.

El economista ha indicado que existen, principalmente, tres razones para el crecimiento del mercado cultural:

el proceso de terciarización de la economía,
la civilización del ocio o la ética hedonista, por la cual el ocio ha pasado a formar parte de la primera jerarquia de valores del ser humano, y
el postmodernismo y la concepción de la cultura como un atributo

Luis César Herrero, de igual forma, ha enumerado los tipos de impactos económicos que genera la cultura, que son:

Efectos económicos directos (p.ej. creación de empresas).
Efectos económicos indirectos (efectos de arrastre respecto de otros sectores).
Efectos sociales (cohesión, desarrollo identitiario, etc.)
Efecto rescate o efecto preservación, que contribuye a la regeneración urbana (p.ej. la primera capital europea de la cultura que se utilizó para la regeneración urbana fue Glasgow).
Efecto competitividad, que proporciona nuevas ventajas comparativas.
Efecto locacional, ya que la cultura ejerce un poder de atracción de nuevos visitantes y habitantes.

Finalmente, y tras ilustrar algunos estudios realizados desde su grupo de investigación, ha aportado algunas reflexiones sobre los estudios de impacto económico de la cultura, a saber:

El impacto económico de la cultura es apreciable a corto plazo.
Es de radio corto, es decir, fundamentalmente de carácter local y regional.
Los indicadores de eficiencia de la cultura suelen ser positivos.
Los efectos económicos no se quedan en las rentas y empleo generado, sino también en la cohesións ocial, imagen, etc.

Diario del Congreso de Valencia (II)

2009-11-11T20:35:00.007+01:00

La segunda jornada del Congreso Internacional sobre la Plusvalía Económica de la Cultura, que está teniendo lugar en Valencia, se ha dedicado al consumo en temas culturales.

Reinventar la cultura

Ramón Llopis Goig (Universitat de València) ha iniciado la jornada haciendo una reflexión sobre algunos aspectos que, desde el campo de la sociología, ha de tenerse en cuenta al hablar de consumo cultural. Así, ha comentado cómo en la actualidad nos encontramos con una nueva concepción de cultura global que se caracteriza,, principalmente, por cinco dimensiones:

La lógica del mercado.
Un sistema tecnológico.
La sociedad del consumo.
Crecimiento de la industria de los media y la comunicación.
El principio de individualización.

Esta cultura global emergente recibe, según el sociólogo, dos principales críticas: la preocupación con respecto al futuro de la cultura literaria artística, que advierte de una desvalorización de la cultura, con una crisis de la lectura y la edición; y la crítica a la existencia de una homogeneización cultural de origen estadounidense. Frente a la primera de las críticas, el ponente ha recordado cómo la cultura puede generar audiencias masivas (citando ejemplos de exposiciones multitudinarias o best-sellers literarios), pero que lo que ha sucedido en los últimos tiempos ha sido, más bien, un cambio en el modo en que los ciudadanos nos relacionamos con la cultura y el arte (a modo de ejemplo, la obra de arte en un museo ya no se venera, prestándole un importante tiempo de admiración, sino que se consume en apenas unos segundos o minutos, en el contexto de una multitud que entiende la obra de arte no en sí misma sino como parte de una vivencia experiencial). Con respecto a la homogeneización cultural, existe una cierta limitación,, manifestada, por ejemplo, en la existencia de múltiples lenguas ("todos bebemos coca-cola, pero nos negamos a abandonar nuestra propia lengua"); a pesar de esa homogeneización cultural, aparecen formas culturales imprevisibles, mestizas, híbridas y trasnacionales, como podrían ser las telenovelas o el manga.

A modo de conclusiones, el profesor de la Universitat de València ha indicado que, más que en un relativismo o estandarización cultural, nos encontramos ante una desorientación generalizada en todas las esferas de la vida que se manifiesta igualmente en el terreno cultural. Eso, unido a unos sujetos débiles y frágiles, hace que sea necesaria una nueva síntesis o reconstrucción en la que la cultura pase, de instrumento de elevación del espíritu, a dar objetivo y sentido a la vida; en definitiva, hay que reinventar la cultura y ponerla al servicio de la vida y no sólo al servicio del espíritu.

El gestor cultural y la construcción del territorio

José Luis Melendo (vicepresidente de la Federación Española de Asociaciones de Gestores Culturales) ha presentado la federación, con sus actividades y retos, demostrando cómo ya podemos hablar de una masa profesional importante repartida por prácticamente la totalidad de la geografía estatal, con sus propios retos profesionales y sus compromisos con la cultura que gestionan. En este sentido, ha indicado cómo fortalecer la cultura es construir territorio y que, en ese sentido, la cultura es un reto transformador.

Así pues, debemos tener en consideración que, para la transformación del territorio, intervienen:

La vida cultural (tanto demanda como consumo de actividades).
El sector creativo (que están en situación de ofrecer altos niveles de creatividad e investigación).
Las industrias culturales (que lideran la innovación en el sector).
Los emprendedores y valores emergentes (que requieren de ayudas para presentar nuevas creatividades e innovaciones).
Una cultura viva, una sociedad civil participativa y un tercer sector activo.

Con respecto a este último punto, Melendo ha hecho notar cómo, a lo largo de estos años, se han construido muchos equipamientos, pero no se ha tomado el interés necesario en impulsar una sociedad civil participativa, elemento imprescindible para transformar un territorio desde el punto de vista cultural.

El consumo cultural en Francia, Argentina y España

Dentro de la jornada de hoy, la organización del congreso organizó tres ponencias que permitieran un análisis comparado del consumo cultural en diferentes realidades nacionales. Así, Laurent Maruani (economista de la Escuela de Comercio de París) ha presentado la organización cultural francesa y su consumo, que se produce en gran parte a partir del establecimiento de redes culturales y estructuras reticulares. Claudio Patricio Massetti (director general del Centro Cultural Recoleta) ha hecho lo propio con la realidad argentina, exponiendo algunos aspectos del plan de descentralización cultural de la municipalidad de Córdoba entre 1991 y 1999, basado en la regeneración de espacios como centros culturales y la creación de nuevos espacios, incluso en zonas de bajo desarrollo, que permitieron una revitalización cultural de la ciudadanía local a nivel vecinal, y el caso concreto del Centro Cultural Recoleta como gran infraestructura cultural. Para el caso español, Rubén Gutiérrez (cooordinador de estudios de la Fundación Autor) ha hecho un recorrido por los principales estudios de hábitos y prácticas culturales y sus resultados.

La demanda en artes escénicas

Rubén Gutiérrez del Castillo (Fundación Autor) ha iniciado su ponencia haciendo referencia a aquellas variables que condicionan la demanda de artes escénicas y que, en gran parte, podrían extrapolarse a la totalidad de fenómenos culturales. Estas variables, exógenas o independientes, son las siguientes:

La influencia de los precios.
La influencia de la renta: según aumenta la renta, aumenta el coste de dedicar tiempo a asistir al teatro.
La influencia de los bienes relacionados, ya sean bienes sustitutivos (cine, tv, lectura, etc.) o bienes complementarios (transporte, aparcamiento, canguro...).
El gusto y otras variables cualitativas (calidad, variedad y volumen de la oferta, comodidad de las salas, la experiencia acumulada, etc.)

Presentación del Mapa Cultural de la provincia de Valencia

Por la tarde, Tamara Martínez (técnico del SARC) presentó el Mapa Cultural de la provincia de Valencia, un proyecto que fue presentado públicamente en julio de este año y que constituye una herramienta que permitirá acceder a información sobre todos los recursos culturales existentes en los municipios de la provincia de Valencia, distribuidos a partir de 15 categorías que, a su vez, agrupan un total de 51 fichas correspondientes a otras tantas áreas temáticas.

En la fecha de la presentación, ya había un total de 239.819 datos registrados, en lo que supone un trabajo prolongado en el tiempo y que empieza a ver sus resultados en tanto que se ha alcanzado una masa crítica de registros disponibles. Esta información, que incluye equipamientos culturales, pero también agentes y manifestaciones culturales de diversa índole, puede localizarse a partir de diferentes tipos de búsquedas, siguiendo criterios geográficos o temáticos.

Las potencialidades de esta herramienta, de acceso por medio de la web, abarcan diferentes aspectos, como podría ser la promoción de los municipios y su realidad cultural, pero también la promoción del mundo asociativo y empresarial.

Diario del Congreso de Valencia (I)

2009-11-10T22:47:00.005+01:00

Hoy ha comenzado en Valencia el Congreso Internacional sobre la Plusvalía Económica de la Cultura. A lo largo de estos días, o en días sucesivos, tengo la intención de publicar algunos posts con las principales ideas extraídas de las diferentes ponencias a las que he asistido, con el objetivo de dar a conocer, aunque sea brevemente y con carácter provisional (en espera de una publicación de las actas), los temas que se vienen tratando en el congreso.

La relación entre cultura y economía

José Luis Pinotti (director del SARC), en la intervención inaugural del congreso, afirmaba que, si bien la relación entre cultura y desarrollo ha sido asumido por la totalidad de la profesión, la relación entre la primera y la economía, tradicionalmente, ha costado más de asimilar, especialmente por la ausencia de estudios definitivos que reflejaran la verdadera importancia económica de la actividad cultural. Y es que, más allá de la importancia económica derivada directamente de la organización y gestión de actividades culturales, se encuentra los beneficios económicos creados indirectamente y de manera inducida, especialmente a partir de los movimientos económicos que, desde el mundo de la gestión cultural, son capaces de generar creación de empleo.

La administración pública ha sido, y sigue siendo en la actualidad, el principal cliente del sector cultural, por lo que (según José Luis Pinotti) tiene adquirido un importante compromiso con el sector, que ha de tratar de incentivar. En este sentido, ha puesto como ejemplo el aumento de empresas dedicadas a las artes escénicas en la provincia de Valencia en los últimos años; si en torno a 1989 existían apenas 11 empresas, en la actualidad son 43 empresas teatrales las que conviven en la provincia a partir de la demanda creada por la administración pública,

En este sentido, el ponente ha enumerado cuatro aspectos que, a su juicio, ha de afrontar la profesión en este sentido:

- El sector técnico necesita una reorganización para que exista una sola voz como profesionales en la interlocución con la administración y otros organismos.
- Los análisis del movimiento económico del sector de la cultura deben ser más amplios que los existentes en la actualidad.
- Ha de tenerse en cuenta el trabajo y puestos de empleo que han sido inducidos por cada una de las actividades culturales.
- La unidad de los sectores implicados es imprescindible para la consecución de los objetivos.

Creación de un colegio profesional

La creación de un colegio profesional de gestores culturales es una idea que se ha venido sugiriendo en foros y asociaciones de la profesión; y hoy lo ha propuesto públicamente Carlos Villavieja (Universidad Politécnica de Valencia). Una decisión de estas características permitiría acotar las competencias profesionales y normalizar una práctica profesional que sigue presentando determinadas problemáticas.

Un colegio profesional, que se crea por ley del gobierno autonómico correspondiente, puede ser propuesto, y de hecho así ocurre en muchos casos, por una asociación profesional. Así, y en nuestro caso, cualquier asociación de gestores culturales de las que existen en la actualidad podría tomar la iniciativa de la creación del colegio, a partir de la elaboración de un censo actualizado de profesionales, tanto titulados como sin titulación específica pero con experiencia.

A partir de la creación del colegio profesional, se iniciaría un proceso gradual por el que se irían incorporando todos los profesionales en activo para, progresivamente, ir restringiendo el acceso a aquellos que dispongan de la titulación correspondiente.

Sin duda, la propuesta que ha manifestado Carlos Villavieja es un reto interesante y digno de tener en consideración. Tal vez los agentes que se encuentran en mayores condiciones de abordar un proceso de estas características sean las propias asociaciones profesionales que, en la actualidad, comienzan a tener un peso importante a partir de su reciente federación.

Mecenazgo

Abogados del bufete Uría Menéndez han abordado el tema del mecenazgo cultural. Agustín González y Miguel Cremades han tratado, respectivamente, el tema de las fundaciones y la fiscalidad del mecenazgo. De esta ponencia destacaremos dos aspectos.

Las fundaciones, según las fuentes de financiación de que disponen, pueden clasificarse en:

1. Fundaciones patrimoniales, que se financian con las rentas de sus activos. Generalmente, estas fundaciones sirven de referencia a otras organizaciones para la obtención de ayudas económicas.
2. Fundaciones que se financian total o parcialmente mediante sus beneficiarios.
3. Fundaciones sin recursos propios, y que han de recurrir a otras organizaciones para la financiación de sus proyectos y actividades.

Con respecto a las posibilidades de mecenazgo por parte de una empresa, Miguel Cremades ha indicado que hay dos tipos: el mecenazgo directo, y el mecenazgo indirecto. Las posibilidades de mecenazgo directo son las donaciones a entidades sin ánimo de lucro, que deben ser irrevocables, puras y simples; convenios de colaboración empresarial (a cambio de una ayuda, una entidad sin fin de lucro se compromete a difundir por cualquier medio la colaboración económica de la empresa); y los gastos directos en actividades de interés general (son actividades realizadas directamente por las propias empresas). En cuanto al mecenazgo indirecto, las empresas pueden optar por la constitución de una entidad sin fines de lucro, bien en formato de fundación, bien en formato de asociación declarada de interés público.

Posteriormente, y en sesiones paralelas, se ha presentado la actividad de mecenazgo cultural desarrollado por las obras sociales de Caja Madrid, Bancaixa y CAM.

Presentación de la Cátedra de Gestión Cultural

El programa del congreso incluía la presentación de la cátedra de gestión cultural, que formarán próximamente las dos universidades públicas de la ciudad de Valencia y la Diputación de Valencia, mediante una intervención conjunta de José Luis Pinotti, Carlos Villavieja y Antonio Ariño (Universitat de València).

La cátedra de gestión cultural se concibe en todo momento como una especie de laboratorio de I+D+I en el sector de la cultura, y se constituirá a partir de un convenio que se firmará a finales de este año o principios del siguiente.

Una cátedra universitaria, en palabras de Antonio Ariño, se crea para establecer contactos fluidos con la sociedad, y se caracteriza, entre otros aspectos, por tener:

1. Unos contenidos, que en este caso se estructurarán en torno a la formación, la investigación y la transferencia de conocimiento, y que permitirá servir de paraguas para el máster oficial y otras ofertas formativas que pueda surgir en un futuro.
2. Un patrocinador, de ahí la presencia de la Diputación de Valencia, que permitirá en todo momento pensar en clave local.
3. Un equipo de trabajo, que serán todas aquellas personas dispuestas a colaborar en un entorno relacional en el que no importará tanto la presencialidad como la interacción a partir de las oportunidades del mundo digital.

Sin duda, la creación de un organismo universitario en forma de cátedra abre nuevas perspectivas para la investigación y el desarrollo formativo y profesional. Tendremos que esperar a su definitiva constitución y puesta en marcha, pero sin duda resulta una iniciativa interesante de conocer y seguir, en cuanto permite dotar de una herramienta definitiva de interacción entre el mundo profesional, académico y científico.

A grandes rasgos, y aún a riesgo de haberme dejado muchas cosas interesantes, éstas han sido las principales ideas extraídas de la jornada de hoy en el congreso. Sin duda, se trata de una selección personal y condicionada por la propia vivencia de la jornada, pero permite ofrecer una perspectiva general de la marcha temática del congreso.

International Journal of Arts Management

2009-11-03T20:07:00.003+01:00

Entre las principales referencias bibliográficas en gestión cultural se encuentra, sin ningún lugar a dudas, la International Journal of Arts Management. Desde 1998, la Carmelle and Rémi Marcoux Chair in Arts Management de la HEC de Montreal viene publicando esta revista científica bajo la dirección de François Colbert.

El equipo editor, bajo la dirección del propio Colbert, aglutina a especialistas internacionales en materias de gestión y marketing cultural en diversos sectores de intervención.

Entre los objetivos de la revista se encuentran los de:

- Ofrecer la comprensión de procesos de gestión y la forma en la que organizaciones culturales trabajan con disciplinas como marketing, recursos humanos, financiación, contabilidad y administración.
- Identificar y animar al desarrollo de buenas prácticas, y promover su uso a partir de análisis de caso y estudios.
- Presentar investigaciones y estudios científicos en el campo de la gestión cultural.
- Promover un foro para intercambiar y debatir teorías y modelos coherentes, así como su aplicación en la práctica diaria de la gestión cultural.

La revista se publica, en inglés, tres veces al año, en otoño, invierno y primavera; y sus artículos son revisados por un conjunto de evaluadores que deciden sobre la conveniencia o no de su publicación y de posibles mejoras o modificaciones. Los asesores son, nuevamente, destacados investigadores y profesionales internacionales en diversas ramas relacionadas con la gestión cultural.

Este tipo de publicación ofrece unas garantías de calidad y permite descubrir en cada ejemplar una serie de artículos de indudable valor científico y propuestas y prácticas de muy interesante aplicación y resultados.

Entre las secciones habituales de la revista (que incluyen, por ejemplo, gestión y organización, investigación de mercados, gestión estratégica o financiación) cobra una especial importancia, por su valor de análisis de caso, la sección “company’s profile”, en la que se hace un análisis pormenorizado de una organización cultural que, por algún motivo concreto, puede considerarse referencia en su sector.

La International Journal of Arts Management (IJAM) es actualmente, en definitiva, una referencia obligada en la investigación en el campo de la gestión cultural y en la obtención de referencias de buenas prácticas, ya que combina perfectamente los aspectos teóricos con la investigación aplicada.

Salir en la foto

2009-10-24T13:21:00.002+02:00

Si hace un mes encontraba en el diario gratuito ADN una viñeta que hacía referencia a nuestra profesión, ayer me ocurrió lo mismo con un nuevo trabajo de Ernesto Rodera, que me volvía a hacer reflexionar acerca de algún aspecto de la gestión cultural.

En esta ocasión, la viñeta representaba el momento de una inauguración de una exposición de arte, con la presencia de diferentes figuras masculinas trajeadas frente a los cuadros de la exposición. El texto de la viñeta decía: “En la foto: curator, comisario, director de la Caja, patrocinador, ministro y concejales en la inauguración de la exposición Arte y rebeldía. Fuera de cuadro: el autor”.

El tema de la reflexión era evidente: de cómo en algunos casos el centro de atención ha pasado del artista a otros agentes culturales, sean éstos gestores, patrocinadores o políticos.

En una sociedad en la que lo importante es vender, incluso nuestros productos y servicios culturales se resienten de ello. La necesidad de promocionarse públicamente ha hecho que cobren un especial protagonismo los patrocinadores y los políticos, e incluso los propios gestores que ven una ocasión de proyectar su imagen más allá de su actividad diaria y su institución.

A priori, esa intención de proyectarse públicamente, bien sea a nivel personal bien a nivel profesional, no ha de ser necesariamente negativa. El aspecto negativo, creo yo, surge cuando se pierde la perspectiva del principal agente que da origen a ese producto cultural. Está claro que, en una exposición, el comisario es artífice del producto final, en tanto que selecciona obras, establece un discurso y participa del proceso de diseño y organización de la exposición; pero también es cierto que sin la existencia de un artista que creara esas obras, el trabajo del comisario sería imposible.

Siempre he afirmado que entiendo el profesional de la gestión cultural como un mediador, como un facilitador de recursos que pone a disposición del público, sirviendo de intermediario/mediador entre el creador y el ciudadano. Y es esa función la que debería desempeñar en todo momento, incluso en la promoción y proyección pública de su trabajo. En este sentido, considero que una imagen como la representada por Ernesto Rodera en su viñeta del 23 de octubre no debería darse: estoy de acuerdo en que deben estar presentes todos aquellos agentes que han participado en la creación o financiación de una actividad cultural, pero también el propio autor que ha dado origen al producto inicial; en este caso, el artista que pintó los cuadros con los que luego se ha concebido un nuevo producto cultural (la exposición).

Esto es cada vez más difícil en una sociedad tan mediática como la que vivimos, pero, aún así, es necesario reflexionar y actuar en consecuencia.

Visitas guiadas

2009-10-17T11:37:00.005+02:00

En el mundo de la cultura, especialmente en el sector de los museos, el patrimonio y el turismo cultural, es muy frecuente la utilización de guías que tratan que los visitante comprendan el territorio en el que se encuentran, de forma que asuman la importancia de los recursos culturales a los que puede acceder o visitar.

Por supuesto, cada persona es un mundo y, por ello, cada guía es diferente. No obstante, creo que siguen existiendo algunas carencias en la formación de nuestros guías culturales. Yo he ejercido en diversas ocasiones de guía en exposiciones y en otros recursos culturales, e incluso he formado a guías locales, y reconozco que no es un tema sencillo; si complejas somos las personas, más complejo es guiarlas, pero no imposible.

Recientemente tuve ocasión de visitar, en una muy corta escapada, la localidad de Bath (Inglaterra), y no dejé pasar la ocasión de realizar una visita guiada por la ciudad realizada por unos voluntarios locales agrupados bajo el nombre de "The Mayor of Bath's Corps of Honorary Guides". Durante la visita tuve la ocasión de comprobar una práctica que había leído y oído, pero que, sinceramente, nunca había puesto en práctica durante mis visitas. El guía llevaba una carpeta con diversas imágenes que iba mostrando a lo largo del recorrido; de forma que si durante su discurso nombraba a Enrique VIII, él mostraba una imagen de su retrato más conocido, o si explicaba la organización urbana de la ciudad, se servía de un plano de la misma; de esta manera, en todo momento el visitante se hacía una idea concreta de lo que iba narrando el guía. La visita guiada no fue perfecta, metodológicamente hablando, pero sin duda este recurso (que yo no había visto utilizar nunca) le daba un importante valor a la explicación.

Esto me hizo pensar sobre la formación necesaria para los guías. Aún hoy en día he tenido ocasión de ver guías culturales que no prestan atención a aspectos tan básicos como el ritmo de marcha del grupo, esperarse a hablar a que estén todos agrupados, o el tono de voz; sin hablar del no saber responder a cuestiones clave, prepararse poco el contexto fuera del guión básico aprendido, o incluso desubicarse a lo largo del recorrido. Parece como si cualquiera, con una mínima formación general, estuviese preparado para guiar un grupo, y creo que esa afirmación no se ajusta en absoluto a la realidad; es como si una persona, por el mero hecho de haber estudiado historia del arte estuviese plenamente capacitada para explicar una exposición pictórica; en absoluto, puede saber mucho de arte y de los cuadros expuestos, pero puede no saber transmitir esos conocimientos a un grupo de neófitos.

En otra ocasión, puede que escriba una entrada sobre aquellos aspectos básicos en los que se ha de hacer especial hincapié a la hora de formar guías culturales, aunque algunas referencias bibliográficas, como la Guía práctica para la interpretación del Patrimonio o la propia Asociación para la Interpretación del Patrimonio, son básicas en este tema. Sin duda, un tema complejo pero, a la vez, sumamente interesante.

¿Estamos faltos de creatividad?

2009-10-01T17:18:00.002+02:00

Hace unos días, concretamente el 18 de septiembre, en la edición del periódico gratuito ADN, me sorprendía al ver una viñeta cómica de las que suelen aparecer en este tipo de publicaciones.

Alguna vez oí que un indicador de que una profesión era reconocida socialmente era la existencia o no de un chiste sobre ella. Bueno, pues a raíz de la existencia de esa viñeta podemos concluir que el reconocimiento social a la profesión de gestor (o programador en este caso) cultural es un hecho.

La viñeta, de Ernesto Rodera, contemplaba dos columnas de palabras, la de la izquierda con un total de 11 sustantivos que hacían relación a otras tantas actividades (feria, concierto, cata, desfile, maratón, fiesta, misa, festival, mercadillo, exposición y capea), y la de la izquierda con 11 adjetivos (solidario/a, sefardí, gay, feminista, templario/a, jazz, romano/a, mestizaje, prehistórico/a, goyesco/a y fusión). Al lado de ellas, de un hombrecillo salía el siguiente texto “Joven programador cultural de Ayuntamiento medio, no dejes que la crisis te acobarde. Hay una enorme cantidad de actos con los que todavía se le puede sacar la manteca al contribuyente. Mezcla estas dos columnas y hazte el amo de la temporada. ¡Hay combinaciones bien chocantes!”.

La viñeta, a la que le encontraba su gracia, me hizo reflexionar. ¿Acaso los gestores culturales habíamos abusado de la tematización de nuestras actividades? A nadie se le escapa que convertir una actividad cotidiana en una actividad temática ha resultado, cuanto menos, exitosa, por aquello de la novedad, independientemente de la calidad de los contenidos (que podría ser bastante discutible en algunos casos). Pero, tal vez, esta proliferación de actividades temáticas ha dado lugar a una saturación que ha hecho perder el posible atractivo que el público viera en sus inicios. La originalidad inicial ha pasado a automatismos y a una práctica por la cual la actividad en sí misma carece de valor: ya no importa la exposición, importa si es goyesca, feminista o templaria; pero, ¿de verdad es que no importa la exposición en sí?, ¿o es que no hemos sabido encontrar otra fórmula para hacerla apetecible a nuestros públicos?

Todos nos hemos sentido tentados alguna vez (o lo hemos hecho) de añadir uno de aquellos adjetivos para atraer a los públicos, o simplemente con la intención de organizar algo “original”. Sinceramente, la viñeta me da qué pensar. Si el chiste existe, tal vez sea porque la idea está presente entre nuestros ciudadanos. Tal vez la crisis a la que alude la viñeta no sea tanto la crisis económica como la crisis creativa del gestor. Creo que deberíamos reflexionar.

2009-09-19T12:56:00.002+02:00

Si hace algún tiempo pude comentar que el SARC de la Diputación de Valencia (España) estaba organizando un "Congreso sobre la plusvalía económica de la cultura" para noviembre de este año, ahora puedo decir que ya se ha hecho público el programa completo con las diferentes intervenciones y mesas, así como la ficha para formalizar la inscripción.

Todo el folleto se encuentra disponible en formato pdf en la dirección www.sarc.es o en este enlace http://www.sarc.es/userfiles/file/2009_CONGRESO/programa_congreso.pdf

Espero que pueda ser de interés.

Exposiciones con éxito de público

2009-09-16T20:23:00.002+02:00

En no pocas ocasiones vemos en los medios de comunicación cómo se valora el éxito de las exposiciones o museos en términos cuantitativos a partir del número de visitantes. La última ocasión la hemos tenido recientemente con la exposición que, sobre Joaquín Sorolla, se ha mostrado en el Museo del Prado.
Algunos medios de la prensa nacional calificaban la exposición como la más vista de la década, o al propio artista al que se refería como el Sorolla de los récords. Esta exposición, que sin duda ha superado, según esas cifras, los 450.000 visitantes, me hace volver a reflexionar sobre algunos temas que, a mi juicio, son importantes de analizar.

El "tirón" de algunos artistas, que aparecen como verdaderos personajes mediáticos y generadores de expectación. Me refiero a artistas como Sorolla, Velázquez, Goya, etc. Parece que cualquier exposición sobre este tipo de artistas genera una expectación tal que asegura un éxito de público; independientemente de la atracción que ejercen por sí mismos museos como el Prado.
El "conteo" de públicos en las exposiciones. Algunos museos siguen utilizando sistemas manuales de conteo de personas. Estos sistemas siguen presentando la particularidad de su fácil manipulación, en especial en aquellos museos o exposiciones de entrada gratuita, en el sentido que las cifras pueden falsearse fácilmente; en una ocasión supe de un museo en que el responsable último se llevaba algunos días tacos enteros de entradas para aumentar el número de visitantes. Aunque el personal técnico siempre (y cada vez más) es reacio a este tipo de prácticas , la presión política por alcanzar determinadas cifras sigue haciendo mella en la práctica habitual.

Y estas reflexiones sin entrar a valorar la idoneidad de considerar únicamente el aspecto cuantitativo como valoración para el éxito de una exposición. Es necesario que empecemos a generalizar el uso de técnicas cualitativas; ejemplos ya hay unos cuantos. Pero tal vez este sea tema de otro texto. Ahora, de momento, me voy a prepararme la cena.

Festivales de cine

2009-09-11T19:43:00.003+02:00

Cuando se viven las últimas jornadas de la Bienal de Venecia, he recordado una conferencia sobre festivales cinematográficos a la que tuve ocasión de asistir hace un tiempo.

La conferencia la daba el director del festival valenciano de cine Cinema Jove y se centraba en explicar cómo se realizaba la organización y gestión del festival para jóvenes realizadores. Antes de eso, ofrecía una clasificación sobre la tipología de festivales cinematográficos que permite aproximarse un poco a la organización de este tipo de eventos.

Una clasificación, según la orientación:

Festivales orientados a la industria del cine, en la que se promocionan películas y directores.
Festivales orientados a la promoción turística de la ciudad donde se celebra.

Y otra clasificación que, pese a no tener un origen claro, parece bastante generalizada:

Festivales de clase A: se trata de festivales generalistas (como Berlín o Venecia).
Festivales de clase B: que son festivales especializados centrados en un aspecto concreto del sector cinematográfico (Cinema Jove, centrado en promocionar directores jóvenes; Festival de Sitges, en cine fantástico o de terror; o el de Gijón, especializado en cine independiente).

En líneas generales, cualquier festival de cine debería tratar de abrir ventanas a la producción cinematográfica, que las películas sean conocidas por público y que se proyecte más allá del festival; y todo festival debería contar con la ciudad en la que se hace y las características propias de sus habitantes.

Sin duda, se trata de un aspecto complejo pero interesante de la gestión cultural; en no pocas ocasiones se ha demostrado cómo estos festivales actúan como dinamizadores territoriales y económicos en el sector de la cinematografía, y la existencia de múltiples propuesta no ha mermado sus posibilidades de intervención y su público. Por algo será.

Congreso de la Federación

2009-09-06T18:24:00.002+02:00

Si hace unos días anunciaba la organización del Congreso Internacional sobre la Plusvalía Económica de la Cultura, corresponde hacer lo propio con el congreso que la Federación Estatal de Asociaciones Culturales de Gestores Culturales.

El Congreso, que tendrá lugar entre los días 5 y 7 de noviembre de este mismo año, tiene como título "Hacia nuevas políticas culturales del siglo XXI en la Unión Europea" y corresponde a la segunda fase de la actividad congresual de la propia federación. La sede de las reuniones será la localidad almeriense de El Ejido y el programa contempla un total de 70 ponentes, en su gran parte ya confirmados, en los que se combinan profesionales nacionales e invitados de prestigio internacional como Alfons Martinell, Xavier Greffe o Edwin R. Harvey. Igualmente, destaca la participación de todas las asociaciones de gestores que forman la federación, la Fundación Interarts e instituciones y organismos europeos e internacionales.

El programa del congreso se organiza a partir de conferencias marco, paneles sectoriales y mesas transversales, en un formato que permite la reflexión, el debate y el trabajo grupal.
Los paneles sectoriales previstos son los siguientes:

Artes Escénicas
Buenas Prácticas de las Instituciones Culturales
Música
Edición del Libro y Lectura
Artes Plásticas y Visuales
Cine y Audiovisual
Industrias Culturales
Patrimonio.
Archivos y bibliotecas.
Cooperación Internacional.
Museos, Centros de Arte y Mediatecas.
Formación Universitaria en Gestión Cultural.
I + D + i de la Cultura.
Artes y proyectos emergentes y multidisciplinares.
Tradiciones y derechos culturales.
Asociacionismo internacional de gestores culturales
Creatividad, Derechos de Autor y Gestión Cultural.

Y la organización del congreso ha determinado un total de 12 mesas transversales organizados en torno a la relación entre la gestión cultural y las siguientes temáticas:

educación.
salud.
vivienda y urbanismo.
economía.
turismo.
participación ciudadana y Agenda 21.
política.
comunicación-medios.
inmigración.
género.
medio ambiente.
ciencia y tecnología

Sin duda, este congreso, que cuenta con el respaldo de un destacado comité de honor y la implicación de todas las asociaciones de gestores culturales existentes en España, tiene la oportunidad de cumplir un importante papel en la vertebración de los profesionales de la gestión cultural. Esperamos que la oportunidad sea aprovechada en todo su potencial, por lo que ello supondrá para el desarrollo, organización y consolidación definitiva de la profesión.

Los clubes de lectura

2009-08-31T18:28:00.001+02:00

Hace tiempo que se está generalizando la práctica de constituir, en las bibliotecas municipales, grupos o clubes de lectura como actividad de fomento de la cultura. Estos clubes no son más que grupos de personas que leen un mismo libro durante un tiempo determinado, al mismo ritmo, y que se juntan periódicamente para comentar la lectura realizada. Así, se combina la lectura individual y el comentario grupal, con todo lo que conlleva una reunión de este tipo.

Las reuniones pueden ser semanales (preferiblemente), quincenales o mensuales, y en ellas los diferentes miembros del grupo comentan y debaten algunos aspectos del libro (acción, personajes, estilo literario, etc.). Al finalizar la reunión, se acuerda qué parte del libro leer en la semana siguiente, y únicamente en la siguiente reunión se comentará, con el compromiso de todos los miembros a no comentar ningún aspecto reflejado más allá del límite acordado.

Todos los miembros del grupo deben leer un mismo título, en la misma edición, que pueden obtener, bien comprándolo, bien obteniéndolo mediante el préstamo de la biblioteca.

Los grupos pueden ser de adultos o de jóvenes, y puede variar según el tipo de lectura, la lengua y los objetivos del grupo, entre otros posibles aspectos. El número ideal de miembros debería estar entre veinte y veinticinco para los grupos adultos, y entre diez y quince para los niños y jóvenes.

Una persona adulta coordinará el grupo. Esa persona será la encargada de moderar las reuniones, transmitir el mensaje del libro, plantear preguntas, motivar la participación, y organizar cualquier otra actividad extraordinaria que tenga por objetivo incidir en el trabajo del grupo. El coordinador deberá preparar cada sesión antes de la reunión, destacando algunos aspectos de la obra y preparando preguntas para motivar el debate y la participación.

Las reuniones deberían ser, preferiblemente, semanales y su duración no debería exceder de los 90 minutos. Es conveniente que los miembros estén sentados en forma circular, de forma que se facilite la interacción entre todos ellos, y que se conozcan entre sí, al menos cómo se llama cada uno de ellos. El lugar ha de ser agradable y cómodo para todos ellos y que sirva de referencia para la actividad; por ello, una sala de la biblioteca es la mejor opción.

Estas son algunas pautas que se pueden tener en cuenta a la hora de iniciar un grupo de lectura, aunque algunos otros consejos pueden obtenerse de Internet y de la experiencia de bibliotecarios y gestores culturales que hayan desarrollado grupos en municipios, instituciones culturales o colectivos ciudadanos. Algunas muy buenas ideas a través de una “receta” están disponibles en el portal Travesía de bibliotecas del Ministerio de Cultura español; pero, sin duda, la mejor receta ha de llevarse a cabo; los ingredientes son relativamente sencillos de obtener, ¡encendamos el fuego y cocinemos!

La rebelión contra la SGAE

2009-08-27T19:11:00.003+02:00

Hace dos semanas se levantaba en España una gran expectación ante la enérgica protesta del ayuntamiento de Zalamea de la Serena (Badajoz) por el hecho de que la Sociedad General de Autores y Editores le reclamase un dinero en concepto de los derechos de autor derivados de la actividad cultural del municipio. El hecho, que no es la primera vez que sucede, sorprende aún más cuando se van leyendo las diferentes declaraciones de las personas que se implican en dicho hecho.

El alcalde de Zalamea de la Serena protestaba porque la SGAE le reclamara entre 12.000 y 14.000 euros, según él, por la representación (que realizan tradicionalmente vecinos del mismo municipio de manera aficionada) de la obra “El alcalde de Zalamea” de Calderón de la Barca. Al alcalde se le llenó la boca en todos los medios de comunicación con que era un atraco que la SGAE le hiciera pagar por lo que él consideraba la historia de su pueblo. Hasta aquí, la cosa podía ir bien. Pero sigamos.

Resulta que la obra que representan, de Calderón de la Barca, sí, y por tanto exenta de derechos de autor, es una adaptación que hizo un autor, Francisco Brines y que se viene representando 16 años en la localidad, y que, ésta sí, requiere del pago de unos derechos de autor. ¿Por qué estos derechos? Cuando un autor escribe una obra puede cobrarla o no, editarla o no, pero por ley adquiere unos derechos sobre esa obra. Él es el padre de esa obra y, por tanto, puede decidir qué hacer con ella. Pongamos que una compañía de teatro coge “prestada” la obra y, sin autorización del autor, la representa, modificándola en lo que quiera o, cuanto menos, cobrando un dinero por una historia que la pensó, maduró y desarrolló otra persona que no va a ver ni un euro de esa representación. ¿No sería justo que ese autor cobrase algo por participar con su obra a que esa compañía gane dinero? A mí, sinceramente, no me parece nada descabellado. Y sí, puede que Calderón de la Barca contase un episodio de la historia del pueblo, pero fue él quien se molestó en sentarse y elaborarla en formato de texto dramático; por tanto, ya no es la historia del pueblo, es una obra literaria basada en un acontecimiento real; y además, esa obra fue adaptada por un autor para su representación actualizada por los habitantes del pueblo. ¿Alguien se cree, por tanto, que se puede decir que se está representando la historia del pueblo? No, en todo caso se podrá estar representando una obra dramática realizada (más o menos fidedignamente) a partir de un acontecimiento real ocurrido en la localidad.

Pero la historia no acaba ahí. Resulta que de esa cantidad inicial, sólo 95 euros, según parece, corresponde al teatro, y el resto a deudas en concepto de derechos de autor por todos los actos culturales realizados en el municipio durante 11 años. La cosa, por tanto, ya no es como parecía al principio.

Dos días después, el 15 de agosto, aparece en la prensa que otro municipio, Fuente Obejuna (Córdoba) se suma a las protestas de Zalamea por la representación (en similares circunstancias) de Fuenteovejuna, de Lope de Vega. En este caso, se demuestra, y así lo reconoce la SGAE, que esta representación está exenta del pago de derechos porque la adaptación corresponde a un autor que no es miembro de la SGAE; pero el hecho es que tras esa protesta se encuentra la negativa a pagar una deuda contraída con el ayuntamiento por 31.000 euros producida por las diferentes actividades culturales y festivas realizadas en el municipio, nuevamente, desde 1998. Se suceden descalificaciones por parte de los responsables políticos hacia la sociedad de gestión (incluso acusando de querer cobrar un impuesto revolucionario, cuando no es ningún impuesto) sin llegar a considerar en todo momento que, guste o no, la función que desarrolla esa sociedad de gestión está amparada por la Ley de Propiedad Intelectual y que desarrollan una importante labor para los profesionales de la autoría, por ellos mismos reconocida.

Y cuando parecía que todo comenzaba a solucionarse, surge otra voz, esta vez desde la Federación Valenciana de Municipios y Provincias, acusando a la SGAE de un apetito voraz, e incluso amenazando de una posible futura insumisión por parte de los ayuntamientos. En definitiva, se queja de los importes que los ayuntamientos deben pagar en concepto de derechos de autor por todas las actividades culturales y lúdicas del municipio. Pero, esta vez, no se tiene en cuenta ni en consideración que los municipios, a la hora de programar y presupuestar sus actividades, deberían contar con ese gasto, recogido por la ley, como un elemento más de la planificación municipal; y, por otro lado, tampoco tiene en cuenta que las tarifas que aplica la Sociedad General de Autores fueron acordadas colectivamente a través de un convenio suscrito por la SGAE y la Federación Española de Municipios y Provincias en 1996.

Esta historia, en la que me he alargado demasiado, no hace sino manifestar importantes carencias. Por un lado, la de algunos responsables políticos que muestran un total desconocimiento de la legislación sobre propiedad intelectual (tanto la filosofía de la misma como su aplicación); su menosprecio (o cuanto menos neutralidad) con respecto a los autores y creativos, que pese a que dicen que en ningún momento van en contra de ellos sí que van en contra de sus intereses; una mala planificación económica al no tener en consideración esos importes; y un cierto poco respeto al tratar de levantar a la opinión pública en contra de una sociedad de gestión que, podamos estar más o menos de acuerdo con su funcionamiento, está amparada por la ley y por los propios socios que forman parte de ella.

Pero, en el lado contrario, este hecho también demuestra un desconocimiento por parte del total de la población de la filosofía y aplicación de la ley y del funcionamiento de las sociedades de gestión. Si, efectivamente, la SGAE permite facilitar el cobro y pago de derechos de autor, considero que debería hacer un esfuerzo importante para dar a conocer su funcionamiento y razón de ser. La SGAE ha de comunicarse hacia afuera, entre profesionales de la política y la gestión cultural, pero también entre los ciudadanos de a pie, para poder evitar la imagen de “chupones y golfos” que se le ha adjudicado.

De todas formas, éste es un tema recurrente. Seguro que el año próximo, a más tardar, volvemos a oirlo.

Congreso sobre Economía y Cultura

2009-08-24T19:25:00.003+02:00

El SARC de la Diputación de Valencia está organizando un congreso sobre la relación existente entre economía y cultura para los días 10 a 13 de noviembre; en él se tratarán diversos aspectos de esta relación como el consumo cultural, la inversión económica y la gestión empresarial.

El Congreso Internacional sobre la Plusvalía Económica de la Cultura ofrecerá, por tanto, una oportunidad de diálogo y reflexión que estamos convencidos que valdrá la pena aprovechar. Aunque aún no se ha hecho público el programa, el material de difusión del congreso indica que se desarrollarán los siguientes aspectos:

Evolución histórica del crecimiento económico de recursos culturales en la provincia de Valencia.

Inversión pública.

El mecenazgo cultural. Aplicación de la ley.

Propuestas de mecenazgo.

Sociología del consumo en temas culturales.

El consumo cultural en el mundo.

El consumo cultural en España.

La organización del consumo cultural.

Economía y cultura: interrelaciones y desafíos.

Gestión económica de empresas.

El crecimiento empresarial en el sector artístico.

Modelos empresariales en distintos ámbitos de la cultura.

Además, la organización del congreso ofrece la posibilidad de presentar comunicaciones sin lectura pública que deberán remitirse antes del 4 de septiembre para su aprobación. Por otro lado, la preinscripción para el congreso ya está abierta, y próximamente se requerirá la formalización de la misma.

Para aquellos que podáis estar interesados, os animo a consultar toda la información disponible en la web del SARC. Y a aquellos que finalmente tengáis la oportunidad de asistir... ¡allí nos veremos!

La importancia del personal frontera

2009-08-22T12:54:00.003+02:00

El jueves 20 de agosto, la prensa valenciana hacía eco de una noticia que, cuanto menos, resultaba algo impactante. “El museo de las Torres de Quart cierra antes de hora y deja atrapados a 16 turistas”, rezaba el titular, en primera página, de uno de los principales diarios de la ciudad. El caso es que, según se supo 36 horas después (hasta ese momento el silencio de los responsables del ayuntamiento había sido total), el bedel responsable del edificio se había retirado por una indisposición que le había llevado hasta el ingreso en el hospital. Por ese motivo, parece ser que el hombre no cumplió el protocolo de cierre del monumento, con la lamentable consecuencia de dejar a un grupo de visitantes encerrados durante algo más de una hora, hasta que la policía local consiguió localizar una copia de las llaves de la reja.

La verdad es que resulta paradójico pensar sobre la inexistencia de avisos auditivos del cierre del monumento, o sobre el hecho de que el bedel no avisara de su indisposición (a un policía local, por ejemplo) para que le sustituyeran durante el tiempo en el que los visitantes se quedaran desatendidos (sustitución únicamente para el cierre, claro está), o cualquier otra duda que puede surgir a raíz del hecho. Sin duda, muy probablemente, la peor consecuencia de esto es la imagen que del servicio cultural de la ciudad se hayan podido llevar los visitantes foráneos, de incumplimiento de horarios y de poca atención; por supuesto, estamos hablando de un hecho totalmente aislado y excepcional, pero hemos de tener en cuenta que aquellos turistas que visitaron las Torres de Quart el 20 de agosto no volverán a visitarlas, probablemente, hasta que vuelvan a la ciudad.

Este incidente nos hace reflexionar sobre la importancia de aquél personal de atención al público (que algunos denominan personal frontera), y que es el que verdaderamente está en contacto directo con los usuarios de los servicios. Y en cultura, también. Los gestores culturales hemos de ser conscientes de la importancia estratégica de este tipo de personal, sobre todo en cuanto a imagen y calidad prestada del servicio.

Los nuevos servicios culturales (los que actualmente son demandados por los usuarios y a los que hemos de ser capaces de llegar) requieren de una nueva concepción del servicio de recepción y atención continua; y en este caso, las tradicionales figuras de conserje, portero u ordenanza son insuficientes, tal y como destaca la Fundación Kaleidos en Equipamientos municipales de proximidad. Gestión de calidad (Trea, Gijón, 2003). Estos nuevos puestos de atención al público conservan las funciones de control y mantenimiento básico del edificio, pero desarrollan de manera importante aquellas de atención e información. Un perfil aproximado de este tipo de personal podría ser la que recoge la Declaración de Valencia bajo la denominación de auxiliares de cultura.

Esta nueva concepción del personal frontera o de atención requiere, igualmente, una formación específica. Hace algún tiempo, alguien que había contactado conmigo a través de mi página web me preguntaba sobre los requisitos de un programa de formación para personal de atención al público en centros culturales. La pregunta no resulta ingenua, ya que el personal del que hablamos ha de ser capaz de abarcar muchos aspectos, pero, puestos a especificar algunos posibles módulos de formación, yo incluiría, entre otros, los siguientes:

La atención al público.
Empatía y asertividad.
Algunos elementos sobre psicología del consumidor de servicios culturales.
La institución en la que se enmarca su puesto de trabajo (organigrama, competencias, funcionamiento).
La imagen corporativa.
Procesos de gestión y atención de quejas y reclamaciones.
Oferta cultural de la ciudad.
Seguridad y primeros auxilios básicos.
Planes de emergencia y evacuación.

Aunque no es un listado exhaustivo, creo que puede ayudar a una primera aproximación. Lo que sí que esta claro es que este personal auxiliar se convierte en un elemento estratégico de primer orden en los servicios culturales, a una escala similar a la de la planificación o el marketing.

Hemos de trabajar por conseguir la evolución de este servicio de atención hacia unos parámetros de calidad acorde con las nuevas exigencias y necesidades de los turistas y todos aquellos usuarios de nuestros servicios culturales. Es uno de los pasos fundamentales, creo yo, para conseguir una gestión cultural de calidad.

Gestionar la complejidad

2009-08-19T18:45:00.002+02:00

Ninguna duda cabe que cuando hablamos de gestionar cultura, estamos hablando de gestionar un elemento completamente intangible. Podemos estar hablando de bienes culturales que son tangibles, pero su verdadera importancia radica en la intangibilidad que, de alguna manera, se ha materializado para poder hacerla accesible; es decir, un libro raramente será importante por su forma física (salvo contadas excepciones), sino por lo que alguien ha expresado a través de la escritura.

El mero hecho de tratarse de un bien intangible, hace que gestionar la cultura sea complejo en sí mismo. Pero, además, hemos de contar con la propia complejidad conceptual del término cultura. Y es que muy lejos ha quedado ya aquella expresión que trataba de describirla con la frase “cultura es todo aquello que no es natura”. La expresión, aunque muy descriptiva y sencilla, creo que no responde a la complejidad que supone en la actualidad el término “cultura”.

En pocos cursos y programas de postgrado en gestión cultural se da la importancia necesaria a una reflexión en torno a la conceptualización de la cultura. En muchos casos se da por supuesto que se sabe a qué nos referimos cuando hablamos de cultura, pero creo que nada más lejos de la realidad, hasta el punto de que, finalizado un curso, los mismos compañeros tienen diferentes concepciones de la cultura y siguen discutiendo sobre si determinada manifestación es cultura o no lo es.

Sin entrar a valorar las diferentes dimensiones y perspectivas que se les ha dado a la cultura (sobre las que probablemente escriba algo en otro momento), a mí me gusta siempre tomar como referencia del concepto de cultura la definición, ratificada en la Declaración Universal de la UNESCO sobre la Diversidad Cultural de 2001, y que dice:

“La cultura debe ser considerada el conjunto de los rasgos distintivos espirituales y materiales, intelectuales y afectivos que caracterizan a una sociedad o a un grupo social y que abarca, además de las artes y las letras, los modos de vida, las maneras de vivir juntos, los sistemas de valores, las tradiciones y las creencias”.

Con esta definición pasamos de considerar la cultura únicamente como aquél conjunto formado por el patrimonio, las artes plásticas, las artes escénicas y musicales y la literatura y el cine, para englobar también aspectos como la etnografía o las fiestas populares. La cultura pasa a entenderse como una mayor globalidad… pero también se le dota de una mayor complejidad.

Hemos de ser capaces de gestionar esa complejidad de la mejor manera posible, pero siempre con criterios profesionales rigurosos. Aún hay muchas organizaciones que consideran la cultura desde el punto de vista compacto de las artes clásicas, sin ver en la globalidad el verdadero reto de la gestión.

Compliquémonos un poco la vida, y tratemos de gestionar la verdadera complejidad, la que está ahí fuera.

Razón de ser

2009-08-17T19:31:00.000+02:00

Comenzar algo siempre es complicado, y más (creo yo) un blog. Lo más sensato y útil es, en una primera entrada, explicar el por qué de la decisión de comenzarlo. En este sentido, hay varias razones que me han llevado, definitivamente, a crear este blog; principalmente:

El firme convencimiento en la importancia de la transferencia del conocimiento.
La consideración absoluta de la gestión cultural como una profesión.
La opinión de que, en esta como en otras profesiones, la reflexión (pública y personal) es básica en el día a día.
La intención de ofrecer modestamente algunas opiniones, reflexiones e informaciones en torno a la gestión cultural, fruto de la propia experiencia formativa y profesional.
La necesidad personal de reflexionar en torno a algunos temas y la idoneidad de ponerlo por escrito.
El deseo de orientar a otras personas en el desarrollo de la actividad profesional.
La motivación de ampliar la formación y experiencia mediante la relfexión, la discusión y el debate entre todas aquellas personas que puedan acceder al blog y tengan a bien participar en él.

La creación de este blog resulta, por tanto, del deseo de poder ofrecer modestamente alguna información. La intención es la de ofrecer información relativa a bibliografía, programas de formación, jornadas profesionales, y reflexiones personales en torno a temas de interés y actualidad. La peridodicidad de las entradas tendrá que ver, lógicamente, con la disponibilidad de tiempo; y la longitud y temática de los mismos, según el interés del momento.

Espero poder consolidar esta iniciativa y que no se quede en un mero intento por culpa de la disponibilidad de tiempo libre. El tiempo dirá...

De momento, ya hemos comenzado.